Neues Material in Form einer 4-Track-EP wird dieser Tage von Magnetfisch veröffentlicht. The Chexbres Trilogy zeigt sich jedoch, im Vergleich zum letzten Album Body On The Left, Soul On The Right kantiger und nicht mehr ganz so poppig, zumal es sich um vier Instrumentalaufnahmen ohne Vocals handelt.

Stimmungsmässig bleibt die Musik jedoch, wie schon der Vorgänger, in den elektronischen 1980ern und 1990ern, zum Beispiel mit einem Starttrack “Slurmz“, der sich wie die “Sweet Dreams” der Eurythmics anhört, einfach mit einer Wah-Gitarre anstatt der Stimme von Annie Lennox. Das ganze hat etwas Jam- oder Session-Mässiges mit recht viel Retro: Flächige Synthie-Streicher erinnern später an die Titelmusik von “Das Boot”, Drumcomputer geben sich recht ungelenk und sperrig.

Somit wirkt “The Chexbre Trilogy” recht nostalgisch und bringt ein wenig das Feeling der guten alten Zeiten zurück, ein wenig trashig vielleicht, aber immerhin etwa 11 Minuten lang.

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Reinhören kann man hier.

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“Gentlemen, when two separate events occur simultaneously pertaining to the same object of inquiry, we must always pay strict attention.”

Dasselbe gilt natürlich auch für Bands, vor allem wenn es sich um die beiden derweil wohl interessantesten Dänischen Bånds, Trentemøller und Efterklang, handelt.

Trentemøller hat Efterklangs “Raincoats” remixed, in einer sehr gehetzten, aber für ihn typisch düsteren Art.

Efterklang – Raincoats (Trentemøller Remix) by FILTER Magazine

Efterklangs Remix von “Tide” klingt hingegen sehr verträumt und verspielt und erhielt sogar noch einige zusätzliche Vocals von Casper.

Trentemoller – Tide (Efterklang Remix) by FILTER Magazine

Nun ist ein Wettbewerb am laufen, bei dem Fans das Artwork zu dieser Veröffentlichung beisteuern können. Mehr informationen hierzu gibts beim Filter-Magazine.

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Efterklangs Film “An Island“, welcher die Band beim Performen ihrer Songs unter manchmal sehr speziellen Umständen zeigt (z.B. im Wald, mit den Eltern der Bandmitglieder oder zusammen mit den Kindern einer Schule), kann nun als Deluxe DVD bestellt werden.

Ganz zeitgemäss bietet sich aber auch die Möglichkeit, den Film als high-res Datei zu downloaden (1.7 GB .mov + mp3 Audio) und den Preis dafür selbst festzulegen (vorgeschlagen werden 6£).

Wer den Film noch nicht an einem der Konzerte gesehen hat, der kann sich hier nochmal ein Bild davon machen:

Zu bestellen / downloaden gibt es den Film der Dänen hier:
http://anisland.cc/home/

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Es ist bereits das siebte Werk, welches der Remix-Spezialist und Sample-Jongleur Guillermo Scott Herren unter seinem bekanntesten Künstlernamen, Prefuse 73, veröffentlicht.

Er selbst bezeichnet das Album als „Aufbruch“. Und so hört es sich auch an. Es unterscheidet sich massgeblich  von seinen Vorgängern. Die geheimnisvollen Tracks sind gespickt mit Geräusch-Samples und Schnipseln von akustischen Instrumenten. Sie erinnern an Ambient.
Und wie der Name des Albums vermuten lässt, gibt es auch weibliche Gastauftritte. Insgesamt sind 7 von 18 Songs mit Gesangsteppichen von Sängerinnen wie Zola Jesus, Niki Randa (School Of Seven Bells) oder Shara Worden (My Brightest Diamond) versehen. Auch die kürzlich verstorbene Trish Keenan (Broadcast) ist auf einem Song zu hören.

Die Gesangs-Schnipsel sind meistens chorartig arrangiert und werden das eine Mal von Filter-Spielereien und lärmigen Synthies (“The Only Repeat“), das andere Mal von Frickeln und Elektopiano (“The Only Trial of 9000 Suns“) begleitet. Die 18 Songs, welche auch einmal nur knapp anderthalb Minuten dauern können, bilden eine Aneinanderreihung von aussergewöhnlichen Hörerlebnissen.

Die wuchtig produzierte, sphärische Musik erschliesst sich einem nicht auf Anhieb.
Zeitweise hat man das Gefühl, einer Jam-Session zu lauschen. Die Songs wirken manchmal unfertig und haben eine ungewohnte Struktur. Eine Fülle an Geräuschen (z.B. ins Swimming Pool springende Kinder), ambientmässige Synthieflächen und Knister- und Klacker-Samples erzeugen eine ganz eigenartige Grundstimmung, die sich wie ein roter Faden durch das Album zieht. Daneben immer kräftig im Vordergrund: Stimm-Samples und allerlei mystische Instrumente, versetzt mit enorm viel Hall. Zum Abheben schön oder eher verwirrend. Man kann sich nicht so recht entscheiden.
Und immer fehlend: Ein Beat. Hätte man den gerne? Nein, für ihn wäre schlicht keinen Platz.

Der Sound schwankt zwischen süsser Verzweiflung, sanfter Melancholie und einem verstörenden LSD-Trip. Man sucht vergebens nach eingängigen Melodien oder sonst etwas Vertrautem. Guillermo Scott Herren lässt es wabern und wuchern. Und das auf eine ganz eigenständige Art und Weise. “The Only She Chapters” ist ein gelungenes neues Werk, aber garantiert nicht jedermanns Sache.

(Benjamin Brandenberg)

Tracks:

1. The Only Recollection Of Where Life Stopped
2. The Only Valentine’s Day Failure
3. The Only Contact She’s Willing To Give (Feat. Faidherbe)
4. The Only Chamber Resolve
5. The Only Hand To Hold (Feat. Shara Worden)
6. The Only Thief To Steal Tonality
7. The Only Trial Of 9000 Suns (Feat. Trish Keenan)
8. The Only Way To Find (Feat. Nico Turner)
9. The Only Test To Score
10. The Only Boogie Down (Feat. Niki Randa)
11. The Only Direction In Concrete (Feat. Zola Jesus)
12. The Only Recollection Of How Things Change
13. The Only Guitar To Die Alone (Feat. Adron)
14. The Only Serenidad
15. The Only Lillies And Lilacs
16. The Only Lillies And Lilacs Pt. 2
17. The Only Repeat
18. The Only Recycled Intro

Rating: 5 out of 10 stars

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Kleine Video-Doku zum neuen Album
(gefunden via 78s.ch)

In diesem sehr schön anzuschauenden Video erklären Lou und Andy wieso es eigentlich eine Reunion der Band gab, wie sie im allgemeinen zusammen Arbeiten und wie es zum neuen Album kam. Zudem – wohl am wichtigsten – gibt es einiges an Musik vom neuen Album zu hören. Inwiefern dies die definitiven Fassungen der Songs sind, zeigt sich wohl am 5.5.

Sicher ist, dass es sowohl ruhige als auch ein wenig experimentellere Stücke auf dem Album zu hören geben wird. Inwiefern es jedoch wieder zurück zu “Cotton Wool“-Ähnlichem geht, ist nach wie vor offen. Einige Ansätze die zu hören sind, werden wohl aber live recht eindrücklich rüberkommen (z.B. das Stück, welches im Video bei 08:00 beginnt).

Duett mit Damien Rice

Eines der interessantesten Details ist sicher die Collaboration mit Damien Rice im Song “Back To Beginning”, welchen man sich hier schon mal anhören kann.

Tracklist von 5

1. Another Language
2. Butterfly Effect
3. Build a Fire
4. Wise Enough
5. Existential Itch
6. Strong The Root
7. Rounds
8. She Walks
9. Last Night The Sky
10. The Spectacle
11. Back to Beginning (feat. Damien Rice)

Live Album

Zudem hat die Band, von www.out-of-space.ch bisher unbemerkt, das Live-Album LAMB – Live at KOKO veröffentlich. Es kann seit dem 11.04. downloaded oder direkt von Lambs Website als CD bestellt werden.

Tracklist von LAMB – Live at KOKO:

1. Darkness (Live)
2. Little Things (Live)
3. All In Your Hands (Live)
4. Gabriel (Live)
5. Transfatty Acid (Live)
6. Angelica (Live)
7. What Sound (Live)
8. Gorecki (Live)
9. One (Live)
10. Lullaby (Live)
11. Bonfire (Live)

PS: Lamb Live

Der nächste Lamb-Liveauftritt in der Schweiz ist übrigens am 13.07.2011 am Montreux Jazz Festival.

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Diese Tatsache zusammen mit der Tatsache, dass sich die Band in der letzten Zeit nicht grad viel Live gezeigt hatte, hat das Warten auf das neue Album und neuen Input der luftigen Electro-Pop-Formation Electric Blanket aus Bern recht schwierig gemacht.

Da hat es auch nicht viel geholfen, dass das Veröffentlichungsdatum des Albums vom Frühling auf Herbst verschoben wurde. Als Abhilfe kann seit heute nun immerhin der Song Wuthering Heights bei verschiedenen Online-Stores erstanden werden.

Die gewohnt eingängige Melodie und das schöne Songwriting lassen auf jeden Fall Vorfreude auf das kommende Album aufkommen.

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Zudem zeichnete er sich 2009 für den Soundtrack des mexikanischen Films „La Sangre Iluminada“ verantwortlich, welcher in der Schweiz zumindest auf DVD erhältlich ist. Da Murcof wie kaum ein anderer für atmosphärische Musik mit Kinoqualitäten steht, war dieser Schritt nur logisch. Zudem scheint es sich für elektronische Künstler zum guten Ton zu gehören, mindestens einen Soundtrack zu schreiben, wie unter anderem Massive Attack, Archive, The Knife und Daft Punk bewiesen.

Dass das Album zum Film erst knapp zwei Jahre später erscheint, liegt daran, dass Murcof seine Musik für die Veröffentlichung noch einmal von Grunde auf überarbeitete. Wer das Resultat dieser Arbeit in den Händen halten möchte, muss eine auf 300 Exemplare limitierte Vinylausgabe erwerben – allen anderen bleibt ein Download.

Der Kauf des Albums kann, dies sei hier vorweg genommen, wie meistens bei Corona empfohlen werden. Allerdings ist die Musik darauf weniger originell als bei den letzten Releases. Nachdem bei den sehr experimentellen „Versailles Sessions“ versucht wurde mit einigen wenigen modernen Instrumenten Klänge zu erzeugen, die sehr barock klingen, und die verwendeten Instrumente daher kaum mehr wiederzuerkennen waren, fühlt man sich beim „La Sangre Iluminada“ immer wieder an die früheren Veröffentlichungen des Mexikaners erinnert. Klanglich ist der Soundtrack von „La Sangra Illuminada“ irgendwo zwischen „Remembranza“ und „Cosmos“ anzusiedeln.

Es fällt auf, dass die einzelnen Titel jeweils von sehr kurzer Spieldauer sind, meist zwischen einer und zwei Minuten. Verglichen mit den Vorgängeralben scheint dies sehr kurz zu sein. Allerdings besteht zwischen nebeneinander angeordneten Tracks oft ein dicker Kitt, was auch bei der Benennung zum Ausdruck gebracht wurde. So folgt auf „Eugenio I“ der Titel „Eugenio II“. Trotzdem wird der gut strukturierte Aufbau, eine Stärke Murcofs, durch die Unterbrüche immer wieder gestört. Zu schnell wird man aus den einzelnen Klanggemälden gerissen. Es entsteht daher nie ganz die Dichte, die man aus früheren Alben gewohnt ist.

Positiver Nebeneffekt ist eine recht grosse Zugänglichkeit des Albums. Viele der Minitracks verfügen über einen Höhepunkt und da diesmal auch an – relativ geraden – Beats nicht gespart wurde, erschliesst sich die Musik dem Hörer relativ einfach. Allerdings driftet auch bei „La Sangre Iluminada“ Melodiebögen immer wieder unerwartet weg, erscheinen wenig später wieder aus dem Nirgendwo und werden erst einige Titel später final abgehandelt. Trotzdem: Im Gegensatz zum teilweise sehr minimalistischen „Cosmos“, trifft der Hörer hier immer wieder auf Melodien, an denen er sich einfach festhalten kann. Das Album basiert weniger auf Drones als auf Rhythmen und Tonabfolgen.  Die gefühlte Distanz zu „Remembranza“ ist also geringer als zu Murcofs Ausflug in die weiten des Alls.

Etwas überraschend funktioniert der Soundtrack auch ohne das bewegte Bild hervorragend. Während bei anderen Alben dieser Art für den Hörer oft der rote Faden fehlt, der – hoffentlich – durch die Geschichte des Films hergestellt würde, wird er hier von Murcof elegant durch das Album geführt – dies wahrscheinlich eine Folge der Überarbeitung.

„La Sangre Iluminada“ ist also ein durchaus gelungenes Album von Corona, ich hoffe aber doch, dass er sich nun endlich an die Beendigung von „Océano“ macht und nicht vollständig in Nebenaufträgen verloren geht.

(jacques)

Tracks:
1. Sangre y Mateo
2. Hugo 1
3. Hugo 2
4. Eugenio I
5. Eugenio II
6. Eugenio III
7. Eugenio IV
8. Paloma I
9. Paloma II
10. Paloma III
11. Paloma IV
12. Paloma V
13. Soriano I
14. Soriano II
15. Isaias
16. Soriano III
17. Isaias II
18. Isaias III
19. Isaias IV
20. Como Quisiera Decirte (Murcof Mix)

Rating: 8 out of 10 stars

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Die Herren – das merkte man schon beim Hören der vorherigen Alben – nehmen sich gerne ein bisschen mehr Zeit. Beweisen müssen sie ja eigentlich keinem mehr irgendwas. Der Eine ist der ehemalige Schlagzeuger einer der einflussreichsten deutschen Bands, Can, die ihrerseits ganz grosse Namen wie Radiohead oder The Mars Volta beeinflusst haben. Der andere tummelt sich seit Anfangs der neunziger in elektronischer Musik, Dub oder Jazz, wobei seine Aufnahmen bis in die Siebziger Jahre zurückreichen.

Wie schon gesagt, Jaki Liebezeit (ex Can) und Burnt Friedman haben und nehmen sich gern Zeit und gehen auch die vierte Ausgabe von Secret Rhythms sehr ruhig an, vielleicht noch ruhiger als die letzte. Vielleicht nicht mal von der Geschwindigkeit in bpm, sondern an der musikalischen Variation gemessen. In den zehneinhalb Minuten, die sich der erste der sechs Tracks auf Secret Rhythms IV Zeit nimmt, bewegt sich eigentlich nicht allzuviel, die Variation in dem ewig um das selbe Thema drehenden Stückes mit dem simplen Namen “204-7” ist minimal.

Der Reiz an der Musik der beiden ist eher an anderer Stelle zu suchen. Wer sich von der Musik einlullen lässt, entdeckt entspannt und mit geschärftem Ohr immer weitere Facetten in Beats, Rhythmik und Klängen – unter anderem im ersten Track auch das Schnaufen von einem der Beiden Musiker – ein Geräusch, dessen man sich plötzlch bewusst wird und welches einem plötzlich inmitten des musikalischen Geschehens rücken lässt.

Auch beim Vortlaufen des Albums bleibt der Musik etwas Mantra-mässiges anhaften. Ein Thema einmal aufgegriffen, wird es nicht mehr losgelassen, nur wiederholt, bearbeitet, in kleinen Evolutionen verändert und ausprobiert. Dies geschieht bei “128-5” ein wenig bewegter, elektronischer, bei “182-11” ganz ruhig, bei “131-7” schon beinahe leicht Samba-Mässig.

Wie aber schon der bereits bei www.out-of-space.ch reviewte Vorgänger ist auch die vierte Ausgabe wohl eher den Jazzern als den Elektronikern zu empfehlen. Elektronische Einflüsse sind wohl sehr klar zu hören und auch in den CVs der beiden Musiker sind ganz grosse elektronische Namen zu lesen (beispielsweise Kollaborationen mit Depeche Mode oder Brian Eno). Dennoch braucht es ein offenes Gemüt, sich geduldig diesen zehnminütigen Beat-Variationen und Rhythmus-Studien hinzugeben. Tanzbar sind die Tracks wohl auch nur für jene, die gerne mit geschlossenen Augen hin- und herwippen. Aber überraschend ist es ja nicht, denn so hat ein Album, dessen Drummer bekanntlicherweise das Bass-Drum sehr spärlich und auch nur mit der Hand bedient, ja auch den richtigen Namen: Secret Rhythms.

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Tracks:

1. 204-7
2. 128-5
3. 182-11
4. 131-7
5. 120-11
6. 120-5

Rating: 6 out of 10 stars

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“Dream” ist housiger Clubsound. Computertönchen steigen und fallen, wie bei einem Computerspiel. Dieses hier ist einbisschen langweilig, fast zu viele Geräusche auf einmal. Plötzlich wird es leicht jazzig. Der Bass/Beat aber irgendwie zu hart. Ein abstraktes Geknorze. Hier gefällt mir das Original besser.

“Huibuh” klingt nach einem gemütlichen Marsch, ein stampfender Beat, aber verlangsamt, als ob er zurückgehalten werden müsste. Eine Stimme die wie durch das Universum hallt, leise und nicht ganz verständlich. Verschiedene Schellen kommen dazu. Tanzbar ist es eher nicht, es ist Chill-out.
“Flashy Flashy” ist eine tolle Mischung aus tanzbarer Musik die dich eigentlich mitreissen müsste, und aber dieser Chill-out-Atmosphäre die alles stark verlangsamt. Gibt es auf diesem Remix mehr Housemusik? Eine Männerstimme singt. Gefällt es mir, oder ist es mir zu langweilig? Ich weiss nicht recht. Fast einbisschen traurig der Gesang, und Fatboy Slim kommt mir in den Sinn.

“Sun the Rain” ist ein grosses sanftes Rauschen, Grillenzirpen, Klavier, ganz leicht und zaghaft, schön und scheu und millimeterkleine Windstösse. Weiter geht es mit einem recht coolen Mix aus Computermelodie und Klavier, harte Bässe, Gezirpe und Uhugeschrei. Es wandelt sich um, in viel Beat, Getrommel und Techno.

Nummer 8 ist nochmals “Flashy Flashy“, aber ein anderes. Es gefällt mir gut. Techno, mit schönen Melodien. Und hier kommt endlich die Stimme von Ellen Allien wieder zum Zuge. Sie kam bis jetzt zu kurz scheint mir. Dazu ein sehr tanzbarer, klarer, starker Beat. Und doch passt es sich gut ans Stück an. Gehört zu meinen Lieblingsliedern!

“Searching” ist einfach schön. Mehr gibt es da nicht zu sagen. Zwischen Techno und Chill-out.
Spannend finde ich  “Schlumi“. Hier klingt es schon fast nach Popmusik. Melodien zum Mitsingen. Der tanzbare Beat bleibt in allen Stücken. Computertönchen die fast singen, im Beat tanzen und miteinander kommunizieren. Eine Art elektronischen Vogelgesang.

Auch Nummer 11 ist gelungen, hier hab ich das Gefühl, vom Originalstück geht nichts verloren. Gitarrenmusik und Pop? Und Zum Schluss noch “Computeralarmglocken” die schlagen.

Dust RMX ist Clubmusik Ja. Aber oft gehen die Stücke zu lange. Zu langweilig zum Hören. Diese Remix ist wohl die experimentelle Form der Originalplatte. Mir gefällt das Original besser. Weniger hektisch und nervös. Diese hier ist auch nicht schlecht, aber die andere DUST von Ellen Allien ist eine wahre Perle und ich würde sie jedem wärmstens empfehlen!

(meret)

Tracks:

1. My Tree (Ripperton’s Backlash Remix)
2. Dream (Bodycode Remix)
3. Huibuh (Adultnapper Remix)
4. Flashy Flashy (Nicolas Jaar Remix)
5. Sun the Rain (Tim Hecker Remix)
6. Should We Go Home (John Roberts Remix)
7. Ever (Aux 88 ‘Black Tokyo Remix’)
8. Flashy Flashy (Fabrizio Maurizi Remix)
9. Searching (Shonky Remix)
10. Schlumi (Camea’s ‘I’m in the Neighborhood’ Remix)
11. You (Munk Remix)
12. Our Utopie (Kassem Mosse Remix)
13. Sun the Rain (We Love Remix) * Digital bonus track

Rating: 7 out of 10 stars

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Im Rampenlicht des neuen Jahrzehnts standen bis jetzt Bands und Künstler wie Ke$ha, Mumford & Sons, Katy Perry, 30 Seconds to Mars und natürlich die omnipräsente Lady Gaga. Doch die grossen musikalischen Entwicklungen finden oft abseits des Rampenlichts statt – so auch in diesem Jahrzehnt.

Die 2010er werden das Jahrzehnt des Dubstep. Vor zwei Jahren war der Dubstep noch einem kleinen Nischenpublikum vorbehalten, inzwischen ist er vielen ein Begriff. Dubstep-Parties spriessen wie Pilze aus dem Boden. Was schon vor einigen Jahren mit Künstlern wie Burial und Skream begonnen hat, hat sich mit den grossartigen ersten Alben von Mount Kimbie (Crooks & Lovers) und James Blake (James Blake) in den Stereoanlagen der heimischen Wohnzimmer eingenistet und wird auch die nächsten Jahre dort bleiben. Und mit ihnen kam eine grosse Diversifizierung: Vom dumpfen wobble-wobble-Sound der letzten Jahre ist nur der langsame, schleppende Beat geblieben. Was drumherum geschieht, ist vielseitiger denn je und der Begriff Dubstep ist eigentlich längst nicht mehr ausreichend um all die experimentierfreudigen neuen Künstler zu beschreiben.

So ist es auch bei Benny Tones. Angefangen als Tontechniker, hat der junge Neuseeländer, der mit bürgerlichem Namen Ben Horton heisst, soeben sein erstes Album, “Chrysalis“, herausgebracht. Tones selbst gibt als Einflüsse unter anderem Boards of Canada, Flying Lotus und Al Green an. Und so unterschiedlich wie diese Künstler sind, so vielseitig ist auch Tones’ Musik.
Im ersten Lied des Albums, “Aero:soul“, schlägt Tones Trip-Hoppige Töne an, die sich mit ihren sanften Synthies und härteren Beats irgendwo zwischen den frühen Archive und gutem altem Hip-Hop einordnen lassen. Dennoch kling das Lied keinesfalls altmodisch.

“On My way“, das zweite Lied, ist typisch für Tones’ Lieder: Musikalisch lässt es sich am ehesten im Bereich Soul einordnen, was aber niemanden abschrecken soll. Hier wird das Arrangement von einem echten E-Bass untermalt, was zusammen mit der Soul-Stimme von Mara Tk., der bei vielen Liedern mitwirkt, dem Lied den Charakter gibt. Dennoch bleibt das elektronische Grundgerüst erhalten.
Insgesamt wird das Album stark von den verschiedenen Sängern und Sängerinnen geprägt. Benny Tones hat mit verschiedenen Leuten zusammengearbeitet, was dem Album gut tut, da die verschiedenen Stimmen jedes Lied einzigartig machen. Das Album ist vielseitig und mit seiner Mischung aus Soul, Hip Hop und vielen elektronischen Elementen gut anhörbar.

Viele werden sich fragen, wo denn jetzt der Dubstep geblieben ist. Tones’ Beats bewegen sich vom Tempo her und auch von der Taktart im Dubstep-Bereich und erinnern immer wieder an Mount Kimbie oder Darkstar. Und obwohl man “Chysalis” nicht als Dubstep-Album bezeichnen kann, hat es doch viele Ähnlichkeiten zu anderen neuen Künstlern, die Dubstep machen. Man kann es vielleicht so sagen: Dubstep ist mehr eine Idee, die man in den Beats und Synthies hört, als ein klare Genre.
Am ehesten hört man den Dubstep in den letzten beiden Liedern des Albums heraus, die ein wenig an die Veröffentlichungen vom Echodub-Label (siehe Kritik) erinnern. “Fire Fly“, hat einen herrlich tiefen, chilligen Beat und wird wieder mit der Tollen Soul-Stimme von Mara Tk. untermalt. Das Endergebnis ist ein guter Trip-Hop-Soul-Dubstep-Song.

Der Höhepunkt des Albums ist jedoch “Chysalis“, das letzte Lied des Albums. Hierfür hat sich Benny Tones noch einmal eine andere Sängerin eingeladen, Sacha Vee. Sie untermalt den Song wunderbar und verstärkt mit ihrer Stimme noch den tollen Spannungsbogen, der das Lied durchzieht. Der wummernde Synthie und der langsame Beat tun ihren Rest, um dem Album einen abschliessenden Höhepunkt zu verschaffen.
Leider hat nicht das ganze Album die Qualität der letzten beiden Lieder, dennoch ist es innovativ und wegweisend für die Musik des neuen Jahrzehnt. Es bleibt nur zu hoffen, dass “Chrysalis” den weiten Weg von Neuseeland in die Wohnzimmer und Clubs Europas findet und nicht unbeachtet bleibt. Denn hörenswert ist es auf jeden Fall.

Es ist nur schade, dass es “The Calling” nicht mehr auf das Album geschafft hat. Der Song ist schon etwas älter und unterscheidet sich stilistisch schon etwas vom Album. Sicher ist er aber einer der besten Songs von Benny Tones. Gott sei dank findet man ihn aber auf YouTube, dazu noch mit einem sehr stimmungsvollen Videoclip: http://www.youtube.com/watch?v=hMgq3cZXXNw

(Jochen)

Rating: 7 out of 10 stars

Benny Tones bei MySpace
Benny Tones bei Soundcloud

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Die Künstler, die bei Echodub unter Vertrag stehen, lassen sich grösstenteils dem experimentellen Dubstep zuordnen. Das Label hat keine grossen Namen unter Vertrag und hat sich seine eigene Strategie ausgedacht, um dem Internetschwarzmarkt entgegenzutreten: Es bietet Sampler seiner Künstler zum freien Download an. Und diese sind von bemerkenswerter Qualität.

Vor allem der neueste Sampler Echodub Loves (Vol 2) hat es in sich: Atmosphärische Klänge und  butterweiche Synthies treffen auf Dubstep-Beats und vermischen sich zu einem aufregenden, wohnzimmertauglichen Sound, der einmal an Burial, dann wieder an Aphex Twin und Brian Eno erinnert und zwischendurch auch einmal härtere Electro-Beats bietet. Untertitel des Samplers ist “Another Selection of our Future Favourites“, und dieser ist durchaus passend. Futuristisch ist der Sound allemal; und auch wenn die Namen heute noch unbekannt sind, haben sie grosses Potential. Herausragend sind dabei vor allem Box Mouse, der mit dem traumhaft atmosphärischen Dubstep-Song “5:37 Ouside The Stadium” vertreten ist, und Egoless, der mit No Ego, No Problems! schon eine tolle EP herausgebracht hat.

Auch die anderen Sampler Anechoic Chamber und Echodub Loves (Vol 1) sind sehr gut. Und da das ganze legal und einfach zu downloaden ist, sollte man auf jeden Fall einmal reinhören.

Zu finden ist das alles unter http://www.echodub.co.uk

(Jochen)

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2011 ist für Lamb ein Release-Jahr: Hier liegt das Debüt von Andy Barlows Projekt Lowb vor und am 5. Mai (05.05.) wird das fünfte Studioalbum von Lamb mit dem Titel “5” erscheinen. Nun stellt sich hier die Frage, ob das Album von Andy bzw. Lowb schon als Einstimmung auf das kommende Release der Band genossen werden kann, oder ob es sich eher gleich weit weg von Lamb bewegt wie Lou Rhodes‘ Soloarbeiten, die irgendwo im Folk anzusiedeln sind (aber nichtsdestotrotz sehr schön sind).

Der schon vor der Veröffentlichung des Albums Leap And The Net Will Appear aus dem Videoclip bekannte Track “Wheeler Dealer Healer” hatte uns ja schon gezeigt, dass wir es zumindest in diesem Track mit Kängen zu tun bekommen, die doch recht stark an Lamb erinnern. Diese für Andy doch sehr typische Art des Beats, immer mal wieder innezuhalten (hier meist nach fünf vierteln ein schlag Pause), kennen wir schon von verschiedenen Tracks seit dem Debütalbum von Lamb, wobei da die Beats meist noch vertrackter waren. Somit ist der Opener des Albums also schon beinahe wieder ein Heimspiel.

Da Andy scheinbar schon immer ein wenig einen esoterischen Einschlag hatte (was sich auch im Schriftzug von Lowb und der Covergestaltung niederschlug), erstaunt die Beschreibung des Tracks “Consecration” nicht so sehr: Dieser Song sei in einer “plant medicine ceremony at my home near Brighton” enstanden. Irgendwie schlägt sich dies auch im Gesang des Gastsängers Adrian Freedman nieder, der die Melodie in eben dieser Zeremonie schrieb. Erstmals wirkt es hier ein wenig billig, die Melodie klingt etwas nach “schon tausenmal in dem Stil gehört”.

Dann lieber weiter zu Songs wie “Digital Stoneage” mit melancholischem Rhodes und dynamischem Aufbau oder zu “Inward Outburst” mit seinem fragilen Gitarrenmotiv und der glasigen Stimme von Carrie Tree (die jedoch hin und wieder ein wenig Probleme mit der Intonation hat). Einen weiteren Instrumentaltrack bietet uns Andy unter dem Namen des Projektes, “Lowb“. Anständiger Beat und Groove, aber man denkt so bei sich, dass so eine Instrumentalnummer vor 15 Jahren zu Zeiten von “Cotton Wool” noch einiges gewagter und experimenteller gewesen wäre. Schade eigentlich, dass Andy um einiges konventioneller geworden ist.

Auch “Haven” ist wohl schön und beruhigend, könnte aber auch von einem Fahrstulmusik-Album oder einer Joga-Entspannungs-CD stammen. Hier klingt es zu harmonisch, zu süss. “Tears And Sparks” wird nochmal durch Carrie Tree unterstützt – ein netter Track, von dem aber auch nicht so viel hängen bleibt, genau so wie bei “Looking God In The Eye” und “Compassion“, beide wieder mit diesem Entspannungs-CD-Gefühl.

So kann man also nach dem durchhören des Albums von Andy Barlow bzw. Lowb das Fazit ziehen, dass er sich mit “Leap And The Net Will Appear” rein Genre-Mässig zwar immer noch in der Nähe von Lamb befindet, inspirationsmässig für ein interessantes Album jedoch scheinbar auf den Input von Lou angewiesen ist. Bis auf den recht guten ersten Track “Wheeler Dealer Healer” finden sich auf dem Album eher nur lose zusammengestellte Chillout-Tracks und sphärische Wohlfühlmusik. “Digital Stoneage” und “Inward Outburst” haben zwar noch interessante Stellen, für Würze, Feuer und Überraschungen muss man jedoch weiter auf das Album von Lamb hoffen oder nach wie vor auf die ganz alten Scheiben zurückgreifen.

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Tracks:

1. Whealer Dealer Healer
2. Consecration
3. Digital Stoneage
4. Inward Outburst
5. Lowb
6. Haven
7. Tears And Sparks
8. Looking God In The Eye
9. Compassion

(die CD enthält noch 4 Instrumentalversionen von “Consecration”, “Inward Outburst”, “Tears And Sparks” und “Compassion”)

Rating: 5 out of 10 stars

Website:

http://lowb.co.uk

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Wer kann sich nicht daran erinnern, damals Mitte der neunziger Jahre, als Robert Miles mit “Children” sozusagen ein Genre geschaffen hatte (“Dreamhouse”)? Seit damals ist es wieder vergleichsweise ruhig um den Schweizer geworden. Nur vereinzelt hat er Material veröffentlicht, war aber nie untätig, wie seine Diskographie beweist. Er war in dieser Zeit jedoch hauptsächlich als Produzent tätig.

Und jetzt, 15 Jahre nach “Children“, erscheint wieder ein neues Album von ihm mit dem Namen “Thirteen“. Dieses jetzt inhaltlich (und auch vom Erfolg her) an dieser 15 Jahre alten Chartsingle zu messen, wäre nicht richtig. Man sollte lieber versuchen, an die Platte frisch und unbelastet heranzugehen – vielleicht lohnt es sich.

Im opening Track “Orchid Miracle” kann man noch nicht ganz einordnen, was da zu hören ist: Der Track ist ein spährisches Intro mit luftigen, ähtherischen Klängen. Doch bei “Moving” ist zum ersten mal zu hören, was auf den Rest des Albums die vorherschenden Strömungen sind: Zwar immer noch sehr viele ätherische Klänge wie beim Intro-Track, aber neben der Elektronik und den Keyboards sind die ganzen tragenden Melodie-Elemente mit elektrischer Gitarre gespielt. Bei “Moving” entwickelt sich eine langsame Steigerung, die Gitarre mäandriert und wird nach und nach zu einem richtigen Strom, der in einem Solo der verzerrten Gitarre gipfelt.

Änhnliche Ansätze findet man in allen weiteren Tracks des Albums. Der Sound ist aber trotz Gitarre, Bassgitarre (teilweise gar Kontrabass) und auch Schlagzeug (anstelle der elektronischen Beats) manchmal recht steril und ausgeräumt – ein wenig zu studiomässig. Man merkt aber, und damit hätte man bei Robert Miles auch nicht gleich gerechnet, es handelt sich hier eigentlich um ein Gitarrenalbum mit elektronischer Begleitung.

Der zweite Kritikpunkt neben der gelegentlich sterilen Athmosphäre ist, dass die Tracks ein wenig planlos, ein bisschen beliebig aufgebaut sind. Ein roter Faden im Ablauf der Instrumentalstücke ist teilweise nicht richtig zu erkennen. Dies könnte sich für andere Zuhörer jedoch wieder ganz anders anfühlen.

Grundsätzlich kann man sagen, dass nach der Überraschung des unerwarteten Musikstils, sich das Album eigentlich als recht solide ausgibt, wenn man von einer gewissen Planlosigkeit und einer gewissen Eintönigkeit absieht. Einige Tracks haben sehr schöne und harmonische Stellen (z.B. “Afterglow” oder “Somnambulism”). Der generelle Sound klingt aber nach wie vor sehr nach 1990er Jahre, und damals haben Gitarristen wie beispielsweise Jeff Beck ähnliche Alben abgeliefert, vielleicht ein bisschen härter und virtuoser, aber auch einiges überzeugender. Dieses mal gibt es also kein neues Genre von Miles.

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Tracks:

1. Orchid Miracle
2. Moving
3. Somnambulism
4. Everything Or Nothing
5. Afterglow
6. Deep End
7. Black Rubber
8. Miniature World
9. Antimony
10. Archives
11. Voices From A Submerged Sea
12. Nonsense
13. The Wolf

Rating: 5 out of 10 stars

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In der Manier von BT und Aphex Twin wurden die vier Tracks der Bloom EP sorgfältig und mit Fokus auf die feinen Beats und Mikro-Beats komponiert und mit E-Gitarre (“Restless“), spanischer Gitarre (“Telarea“) und Westerngitarre (“Del Luna“) ausgebaut. Es erinnert wie gesagt ein wenig an die knarzigen Sounds vom BT-Album This Binary Universe und, auch durch den vielen einegesetzen Hall, an gewisse ruhige Stücke von Aphex Twin, erhält jedoch mit den eingesetzten Gitarren immer viele “organische” und warme Klänge.

Downloaden kann man die 4-Track EP bei Bandcamp:
http://isum.bandcamp.com

Hinweise auf Musik dieser Klasse hätten wir gerne mehr…

Tracks:

1. Essence of what’s left
2. Restless
3. Telarea
4. Del Luna

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“Paloma Triste” beginnt nett und scheu, doch schon bald mischen sich einpaar schräge Töne ein. Es kratzt und die Melodien beissen sich. Der Beat setzt ein. Manchmal klingt es fast nach Alarmsirene. Der Bass kommt. Jedes Instrument zieht voll sein Ding durch, ohne auf die anderen zu hören. Ein bisschen Katzenmusik. Manchmal tönt es wieder sehr schön, und dann wieder fast furchtbar. Es ist ein Experiment das mir gefällt.

Der zweite Track, “Thirteen Times An Hour“, klingt dann mehr nach Party, nach House. Ein harter, abgehackter Technobeat. Es sind zwei verschiedene elektronische Tönchen die miteinander zu kommunizieren versuchen. Sogar fast wie streitende Vögel. Und dann driftet das Ganze ab ins Chill-Out.

Isolée ist schwer zu beschreiben. Schräge Elektronik. Es klingt nach Kreativität, Spass und Experiment. Und ja, es ist eine Art Jugendlichkeit, die da versprüht wird. Tanzbarer Sound, man muss fit sein und wach, um dem Beat standhalten zu können.

“Taktell” erinnert mich an Apparat oder Pantha du Prince. Auf den ersten Blick scheint es langweiligen Techno zu sein, immer dasselbe und elend lang. Aber plötzlich kommt eine herzige, leichte, schöne Melodie dazu. Und wieder diese Klänge, die sich kratzen. Sieben Spuren, die gleichzeitig laufen.

“Journey’s End” heisst mein Lieblingstrack. Er ist schwer zu beschrieben, aber jedenfalls fast schon genial. So viele Tönchen, Melodien und Geräusche, die perfekt zusammengemixt sind. Mal schön, mal störend. Tanzbar ist es immer. Ein monotoner Beat eigentlich, mit dem man sich in Trance tanzen könnte. Vielleicht leicht trendy Musik? Gitarrengezupfe von weit hinten.

Beim nächsten Track (“Going Nowhere“) taucht das erste mal eine Stimme auf, ganz leise summend. Und eine Art Flöte, die jammert. Typisch für diese CD finde ich, dass die Musik sowohl Tanzmusik als auch gute Hintergrundsmusik sein kann. Weiter geht es mit “One Box“,  Minimaltechno. Schön! Die Tönchen steigen eine kleine Hürde hoch und kommen dann gleich wieder runter. Alles ganz sachte. Es erinnert mich an Fabrik, an Fliessband. Alles abgepackt nach Plan. Es ist immer dasselbe aber trotzdem es gefällt.

“Celeste” ist gemütlicher Techno. Mit Harfe und Gitarre? Irgendwie Grossstadtmusik, feierlich und triumphierend. Und eine Melodie die dich einlullt. “Hold on” rockt! Hohe elektronische Klänge, die Aufmerksamkeit erregen wollen und miteinander tanzen. Etwas zwischen Alarmsirene, Bohrmaschine und Playstation.

Bis zum Schluss gibt’s noch kühle, robotermässige Computerstimmen, die mich an Kraftwerk erinnern. Party-House der sich dann zu smoothem Grossstadttechno entwickelt. Down Down Chill-Out. Ein tiefer Bass und ein segelnder Adler kreisend um die Hochhäuser. Schön!

(meret)

Tracks:

1. Paloma Triste
2. Thirteen Times an Hour
3. Taktell
4. Journey’s End
5. Going Nowhere
6. One Box
7. Celeste
8. Trop Près de Toi (97′ Interlude)
9. Hold On
10. Transmission
11. In Our Country

Rating: 8 out of 10 stars

Web: www.isolee.de
MySpace: www.myspace.com/isolee

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(04.02.2011 / Shitkatapult)

Frank Bretschneider schraubt mit Liebe und Präzision an den Synthesizern rum und entwickelt dabei einen ganz eigenen Sound. Schnipsel von analogen Geräuschen, White Noise und andere schöne Zutaten mischt er behutsam zusammen. Das Resultat kann sich durchaus hören lassen. Es rattert, frickelt, wummert und pulsiert. Die Atmosphäre bleibt stets kühl und irgendwie steril.

Bretschneider setzt fast keine Flächensounds ein, die mehr Wärme erzeugen würden. Stattdessen erzeugt er mit den glasklar polierten Geräusch-Schnipseln eine kosmisch-gefrorene Grundstimmung. Auch wenn der Sound irgendwie karg daher kommt, vermag er den Raum problemlos zu füllen.

Das Album Komet geht Richtung Minimal, haut einem aber nie eine mächtige Bassdrum um die Ohren. Die Beats sind zurückhaltend produziert, treiben die Tracks aber immer schön vorwärts. Einzig in “Flight 09” haut er ein bisschen mehr auf den Putz, aber nur ein klein wenig. Man schwimmt in der Musik von Bretschneider und nimmt sie wahr. Mehr aber nicht, da die Stücke keine wirklichen Peaks beinhalten und darum ein aktives Zuhören anstrengend wird.

Als Vorabend-Hintergrund-Musik für eine trendige Bar in Berlin wäre Komet genau das Richtige und spielt in der gleichen Liga wie Gute Luft von Thomas Fehlmann.

(bb)

Tracks:

1. Subharchorded Waves
2. Like a Lizard in the Sun
3. Echotron
4. Urania
5. Flight 09
6. Flutter Flitter
7. Twisted in the Wind

Rating: 5 out of 10 stars

Reinhören:
http://www.myspace.com/frankbretschneider
http://www.frankbretschneider.de

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Veröffentlichungen, die aus Dänemark kommen, sollte man in letzter Zeit seine volle Aufmerksamkeit schenken. Und zwar nicht nur jenen der bekannten Bands wie Efterklang, Trentemøller und Kashmir, sondern auch – oder sogar noch mehr – den bisher unbekannten.

Eine solch vielversprechende Veröffentlichung kommt von der Band mit dem recht witzigen Namen “When Saints Go Machine“. Jene vier Kopenhagener releasen auf !K7 mit Fail Forever EP mit 5 Tracks und nur 17:45 Minuten Spielzeit. Diese fünf Tracks machen aber Lust auf mehr.

Nikolaj Manuel Vonsild (vocals), Jonas Kenton (keyboards), Simon Muschinsky (keyboards) und Silas Moldenhawer (drums) haben beispielsweise mit dem Titeltrack “Fail Forever” einen straight-forward schreitenden und dennoch feinen und gleichzeitig eingängigen Ohrwurm geschaffen. Dessen Videoclip, der auch auf der Website der Band zu sehen ist, wird momentan wohl recht viel geschaut – auch dies zu recht.

Aber auch mit anderen Tracks beweisen die vier, dass sie relativ vielschichtige Musik produzieren können: “Pick Up Your Tears And Run” mit seinem Stimm-Blip-Intro, “Pinned” mit recht vertrackten Beats oder das düstere, schleppende “Greys And Blues“. Als Vergleich wird hie und da mal wieder Fever Ray herangezogen – sicher kein schlechter Vergleich. Auch When Saints Go Machine haben ähnliche elektronische Einflüsse und vor allem auch ähnliche mehrfach-mehrstimmige Vocal-Overdubs, einfach auf ihre eigene Art. Hier klingt es aber nicht ganz so beklemmend, sondern ein wenig lockerer als bei der Kollegin aus Schweden.

Obwohl die EP also nur eine kurze Freude von einer guten viertel Stunde ist, kann man sie sehr wohl empfehlen. Überhaupt kein “Fail” also, nur “Win”.

(grid)

Tracks:

1. Fail Forever
2. Pick Up Your Tears And Run
3. Pinned
4. You Or The Gang
5. Greys And Blues

Rating: 8 out of 10 stars

Reinhören:

www.myspace.com/whensaintsgomachine

http://www.whensaintsgomachine.com

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Sehr bald drückt aber bei “Painting Horses“, diesem vermeindlich fröhlichen Song die Melancholie durch, und zwar auf eine schwer zu beschreibende Weise, die irgendwie an Sigur Rós erinnert. Es ist jedoch jene Melancholie, welche das ganze Album zusammenhält, ja eigentlich alle Alben von Patty Moon gemeinsam haben – manchmal versteckt, manchmal offensichtlicher…

Diese Melancholie hat sicher mit der Instrumentierung zu tun. Die von Judith Heusch geschriebenen und getexteten Songs werden im Studio von Tobias Schwab arrangiert und produziert. Der Multiinstrumentalist verwendet da auch Instrumente, die in der Popmusik nicht so viel verwendet werden, beispielsweise die Klarinette, welche von Haus aus schon einen eher melancholischen Klang hat. Daneben wurden auch viele Streicher eingesetzt, so z.B. ein Cello gespielt von David Neuffer oder gleich das Pellegrini Quartett. Wenn Cloud Inside noch einige elektronische Momente hatte und ein wenig nach Portishead klang, und Dream Up einige Assoziationen mit Tom Waits wachrief, so ist der elektronische Einfluss auf Mimi And Me eher gering und der Stil hat sich noch weiter in eine eigene Richtung bewegt.

In Songs wie “Under Water” wird für diese Melancholie aus dem Vollen geschöpft, nicht nur mit üppiger Instrumentierung, sondern auch mit den Texten: “Under water, you can not cry“. Diese Düsterheit muss man schon wollen und suchen, denn das Album lässt den Hörer in einer grübelnden, introvertierten Stimmung zurück. Dies ist nicht jedermanns Sache. Aber wer z.B. mit Emiliana Torrinis frühere Alben vertraut ist oder sich auch gerne mal in den Tiefen von Portisheads Musik verliert, kann auch in Patty Moons Musik abtauchen und durch verschiedene Schichten der Musik herabsinken.

So ist mit Mimi And Me wieder ein neues Album von Patty Moon da, wieder eindrücklich instrumentiert, wieder ein wenig sperrig, nicht immer nur gefällig sondern mit seinen ganz speziellen Eigenheiten. Höhepunkte sind wohl das Titelstück “Mimi And Me” mit seinen gezupften Streicherpassagen, “Stardust” mit einer schönen Klarinett-Gesangsbegleitung, “The Raven” mit dem Text von Edgar Allan Poe und feinen elektronischen Beats oder das ein wenig grimmige Schlussstück “When You Go – Epilog“  am anderen Ende von “Painting Horses“.

Reinhören:
http://www.myspace.com/pattymoonmusic
http://www.pattymoon.de

Und wer noch ganz anders in die Musik reinhören möchte, soll sich Hans W. Geissendörfers Film “In der Welt habt ihr Angst” anschauen, welcher anfangs März 2011 in die Kinos kommt – die Songs “Landscape“, “Stardust” und “Cover Me” wurden für diesen Film geschrieben.

(grid)

Tracks:

1. Painting Horses
2. Mimi And Me
3. Underwater
4. Stardust
5. When You Go – Chapter 1
6. Landscape
7. Cover Me
8. The Dawn
9. When You Go – Chapter 2
10. Dare
11. The Raven
12. Autumn Orchestra
13. Swamp
14. When You Go – Epilog

Rating: 8 out of 10 stars

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Nun hat sich das Duo Reznor/Ross erneut entschlossen, mit David Fincher, dem Regisseur von The Social Network zusammenzuarbeiten. Auch für dessen nächsten Film nämlich, The Girl With the Dragon Tattoo (die Verfilmung des Stieg Larsson-Romans, der im deutschen “Verblendung” heisst) werden die beiden die Musik beisteuern, wie uns Pitchfork berichtet. Danke an Herr Fincher, dass er diese grossartige Zusammenarbeit wieder ermöglicht!

Mehr zu Trent Reznor / Nine Inch Nails bei www.out-of-space.ch

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Ólöf Arnalds ist eine isländische Sängerin, auf die man sich wohl in Zukunft auch achten sollte – nicht zuletzt, weil sie sich für ihren Song “Surrender” als Vocal Support Björk holen konnte. Björks unverkennbare Stimme fügt sich unglaublich schön in den minimalistischen, geheimnisvollen Song ein. Zum Reinhören in den Song ist unten noch dessen relativ skurriler Videoclip angehängt. Mehr zu Ólöf gibts auf ihrer MySpace-Seite.

Eher witzig, aber dennoch für einen guten Zweck ist das Video, welches während dem “Karaoke-Marathon”. Bei dieser von Björk mitorganisierten Benefiz-Veranstaltung für die isländische Natur war ihr eigener Beitrag der Song “Love Will Tear Us Apart” von Joy Division. Trotz schlechter Aufname klingts eigentlich recht gut.

Das Video davon und mehr Infos gibts bei Stereogum.

Mehr zu Björk bei www.out-of-space.ch

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Zum Silvester gab es von M.I.A. bereits ein gratis-18-Track-Mixtape mit dem Namen ViCKiLEEKX (Infos bei NME). Nun, kaum zwei Wochen später, veröffentlicht die junge Dame bereits wieder eine Remix EP, jedoch nicht mehr gratis. Vorgestern, am 11.1. erschien Internet Connection (The Remixes) und beinhaltet den Track “Internet Connnection” in Remixes von Buraka Som Sistema und anderen.

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Ólöf Arnalds mit Björk – Surrender:

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Eine kleine Werkschau liefert das Label Metonic Records mit seiner Compilation Pestalozzi’s Favorite Chair. Obwohl das Label angibt, in Brooklyn zuhause zu sein, sind die Verweise zur Schweiz recht zahlreich. Nicht nur, dass einige der beitragenden Artists Schweizer sind (Benfay, Everest), auch der Titelgeber des Albums, Pestalozzi, war es.

Der Grundtenor der Compilation ist elektronische Musik, und zwar eher jene aus der anpruchsvollen, sprich eher experimentellen Ecke. Doch nach dem eher düsteren und gesanglich nicht so überzeugenden “Mysterious Traveler” von Mikko / Manuel Engel wird mit dem zweiten Track, “Ecosabotaje” ein sehr lockeres, für das Album ungewöhnlich gefälliges Stück geboten. Aber nicht deswegen, sondern weil es einfach schön komponiert und gesungen ist, ist jenes Stück von El Papo Vecino aus Panama ein frühes Highlight des Albums.

Gleich darauf wird mit Didgeridoo-Ähnlichen Klängen wieder das Experimentelle gesucht. Das Quietschen von Hans Koch wird dann sogar bis in den nächsten Track weitergezogen, bis dieser dann mit schrummligen Drums und scheppernden Gitarren weiterzieht. Eiko / Benfay / Galega haben dann wohl einen der eigentümlichsten Songs des Albums beigesteuert. Hauptsächlich Luft-/Ventilgeräusche werden mit “Mundgeräuschen” ergänzt, um danach von in Richtung Industrial treibenden Samples abgelöst zu werden. Erst der nächste Track, “Public Effects” von Manupulation holt den Hörer in etwas bekanntere Gefilde zurück, und zwar zu relativ handfestem Jazz.

Darauf folgen die zwei nächsten Höhepunkte des Albums, “Times Of Clouds And Sun” von Bryan Noll, ein entspannendes Stück zwischen Brian Eno und Four Tet, und “Out Of Time“, ein märchenhaftes glockenspiel von Jakob Bro und Rune Borup.

Die letzten drei Stücke sind wiederum recht experimentell gehalten. Von Nouri Rifqui & Manuel Engel über Nux Vomica bis Everest ist es jedoch bemerkenswert, dass alle drei Tracks sehr ähnliche Effekte verwenden, so dass das Album zu einem durchgängigem, aber dennoch sehr vielschichtigem Abschluss kommt.

Wie alle Label-Compilations soll auch diese die verschiedenen Artists vorstellen. Und wie meistens, wenn eine Compilation nicht nach inhaltlichen Kriterien zusammengestellt wird, fällt ein Gesamturteil schwer, da viele Stile und Stimmungen zusammenkommen. Viel gefallen mögen jene daran finden, die neue experimentelle Musik mit vielen Detailfacetten entdecken möchten.

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Tracks:

1. Mysterious Traveler – Mikko / Manuel Engel
2. Ecosabotaje – El Papo Vecino
3. Lisa – Hans Koch
4. Don’t Wanna Be – Puts Marie
5. Papillions – Eiko Benfay Galega
6. Public Effects – Manupulation
7. Times of Clouds and Sun – Bryan Noll
8. Out of Time – Jakob Bro / Rune Borup
9. Clockworks Acoustic Land – Meta Marie Louise
10. Swir – Nouri Rifqui / Manuel Engel
11. A Waltz with Maciunas – Nux Vomica
12. Lightning Moss – Everest

Rating: 6 out of 10 stars

Anhörtipps:

El Papo Vecino
http://www.myspace.com/elpapovecino

Bryan Noll
http://www.myspace.com/bryannoll

Jakob Bro
http://www.myspace.com/jakobbro

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