Wenn einer sich irgendwo in die Einöde zurückzieht, um in Einsamkeit und Abgeschiedenheit an Musik zu tüfteln, dann sollte man jeweils aufmerksam werden – das haben uns Künstler wie Bon Iver gelehrt. Benfay hat es ihm gleichgetan. Zwar nicht in einer Jagdhütte in Wisconsin, doch immerhin in Wilen bei Sarnen. Mitgenommen wurden nur wenige Instrumente, ein Teil der Musik wurde mit Gegenständen aus dem Haus erzeugt, für einen anderen Teil wurden Klänge von im Haus entdeckten, alten Schallplatten gesampled und verwendet.

Neben den alten Schallplatten hatte zudem der Film “They Live” von John Carpenter Einfluss auf das Album. Der Film von 1988 schlägt sich am offensichtlichsten in den Tracknamen nieder (z.B. “Obey“), aber auch der Albenname ist dem Klassiker entnommen.

Und die Musik? Teils fein zusammengesetzt, beruhigend und entspannt, dann wieder düster, bedrohlich und ein wenig grober. Auffällig sind die vielen klassischen Elemente in der Musik, wie das Horn im ersten Track “Obey“. Es ist an dieser Stelle unklar, welche Elemente von den besagten Schallplatten stammen und welche von Benfay gespielt wurden. Klar ist jedoch, dass das Album sehr intim und introvertiert ausgefallen ist. Beispielsweise der Track “No thought“, zu Beginn noch relativ trocken im Aufbau, entfaltet sich in der Mitte plötzlich wie eine blühende Blume opernhaftem Frauengesang wie eine Offenbarungsszene in einem epischen Film.

Eine Vielzahl der Tracks sind recht elektronisch und beinhalten einen schätzungsweise eher kleinen Anteil von jenen erwähnten Schallplatten-Samples. Aber gerade diese Abwechslung zwischen kühlen Electro-Stücken und warmen Elementen, wie zum Beispiel der melancholischen Violine in “Nice biscuits“, welche bereits innerhalb des Tracks von diesem schabenden elektro-Geräusch zerstört wird, diese Abwechslung macht das Album interessant. Aber auch der Dynamik wird Beachtung geschenkt: Auf Tracks wie “Trains express” mit schrummligem Hip-Hop-Drum-Finale folgen ruhige, zurückhaltende Tracks wie “Submit“.

Favoriten sind – neben dem Opener “Obey“, das den Hörer schon zu beginn in die richtige Stimmung bringt – sicher der bereits erwähnte Track “No thought“, dessen zweiter Teil einigen Songs von Goldfrapp aus deren besseren Zeiten konkurrenz machen könnte, das sehr gefühlsbetonte “Nice biscuits” und das düstere, introvertierte “Esprit 64564“.
Andere Tracks stechen weniger hervor, haben nach einigen Hördurchgängen aber auch eher versteckte Reize zu bieten, wie z.B. die ganzen versteckten Microbeats in “Control data corporation“.

Benjamin Fay alias Benfay scheint die Abgeschiedenheit gut zu bekommen. Allein in jenem Haus konnte er sich diesen perfektionistisch gestalteten Tracks hingeben und so ein wirklich gelungenes Album abliefern. Wieviel und was genau (ausser den Tracktiteln) nun von John Carpenters Film stammt oder von diesem beeinflusst wurde, ist schwierig zu sagen, letztlich aber auch egal, denn das Album ist so schon ein grosser Tipp an alle, die anspruchsvolle elektronische Musik mögen.

(grid)

Der Namenswechsel lässt nichts Gutes vermuten: Der technische Begriff Pivot wurde seiner Vokale beraubt und steht jetzt als PVT da – wie MSTRKRFT. Soll dies den musikalischen Weg von bis ins Detail durchkonstruierten, hübsch altmodisch anmutenden Tracks hin zum Grossstadtclub einleiten? Es kann entwarnt werden: Zwar wurde der durch eine Prozessandrohung einer kleinen amerikanischen Band aufgezwungene Wechsel des Namens auch zu einer Weiterentwicklung des Stils genutzt, trotzdem klingt „Church With No Magic” unverkennbar nach den Australiern.

Die markanteste Veränderung ist die nun immer wieder zum Einsatz kommende Stimme von Richard Pike. Allerdings ist der Übergang von instrumentalen Tracks zu der Verwendung von Vocals bei genauerer Betrachtung kein allzu grosser. Die Stimme wird als ein Instrument unter vielen verwendet, wobei sie, dies ist wohl unumstritten, die Musik zugänglicher macht und Menschen, die aus Gewohnheit Melodien vor allem in der Gesangsspur zu entdecken suchen, diese eher finden lässt. Vorhanden waren hübsch geschriebene Melodiepassagen im Kosmos von Pivot aber schon immer. Allerdings dient der Gesang zum Teil auch als Verstärkung des Rhythmus, wenn dieser wie zum Beispiel bei „Window” zu stolpert beginnt und gar ins Stottern gerät.

Geblieben vom letzten Album ist die Liebe zu Synthie-Klängen, welche sich an Soundtracks aus den Achzigern à la Blade Runner orientieren, und jeweils ganz knapp nicht kitschig wirken. Auch den Hang zu verwinkelten Konstruktionen wie bei den Labelkollegen der Battles ist noch immer zu erkennen. Typisch für das Album ist der Titel „Crimson Swan”, welcher mit sakralem Gesang und tiefen, verzerrten Gitarrenklängen beginnt und dann in eine krautige Synthie-Motorik-Passage übergeht, die sehr an Geoff Barrows aktuelle Musik für The Horrors oder Beak> erinnert, sich aber immer mehr euphorisiert und gar teilweise nach Moby klingt.

Die beiden Hits des Albums „Window” und „The Quick While”, zweiteres schon länger bekannt vom Sampler „Warp 2010″, liegen in der Mitte des Albums. Dies ist sicher kein Zufall, nimmt doch die Intensität zuerst stetig zu, um dann wieder gemächlich abzunehmen. Zwar sind die beiden Tracks nicht unbedingt die besten, aber mit grosszügiger Verwendung von Stimme und Pop-Einflüssen sicher die zugänglichsten. Es erstaunt doch sehr, wie ein eigentlich wirklich komplexer und teilweise beengend wirkender, mit verwinkelten Rhythmen bestückter Titel wie „Window” sich einfacher zum Ohrwurm zu entwickeln vermag als ein beliebiger Song von La Roux oder Lady Gaga.

Der stärkste Titel ist aber wohl „Timeless”, der den Hörer auch wirklich jedes Zeitgefühls beraubt. Allerdings muss er sich wohl vorwerfen lassen, dass die Synthiemelodie doch sehr nach „Sea Within A Sea” von The Horrors klingt. Auch eine Prise Portishead ist zu entdecken. Die Ähnlichkeit zu Barrows neuesten Projekten kann man PVT aber wohl nicht wirklich vorwerfen. Vielmehr beziehen sich beide auf ähnliche Vorbilder, insbesondere auf Krautbands wie Neu!

„Church With No Magic” ist der Tarantino unter den Alben 2010: Voller Anspielungen und gekonnter Huldigungen und unglaublich leicht klingend, obwohl eine komplexe Grundstruktur zu Grunde liegt und jeder Ton gekonnt platziert wurde.

(as)

Recht geheimnisvoll gibt sich der (oder die?) Schaffer dieses Albums in der Beschreibung des Labels. Kein Name, keine Bilder. Nicht mal Tracknamen. Auch soll er (oder sie? – sagen wir einfach mal “Arandel“) sich bei Konzerten jeweils bedeckt halten und die Musik jeweils nur hiner einem Vorhang spielen. Gleichzeitig legt Arandel sich selbst sehr starke Regeln auf. So soll die Musik nur aus von ihm selbst aufgenommenen Klängen bestehen, die zudem rein “organisch” sind, also nicht mit Verwendung von Midi, Samplern oder Synthesizer erstellt worden sind. Namenlos und organisch also?

Aber wieso muss man immer Namen kennen? Wieso muss man immer Bilder sehen? Die Namen der Tracks kann man auch selbst vergeben, die Bilder beim Hören der Musik auch vor dem inneren Auge entstehen lassen – die Musik eignet sich grossartig dafür. Träumerische Stücke wie “#6” bedienen sich vielen verschiedenen Worldmusic-Elementen. “#6“, mit dem sehr behutsam angespielten Akkordeon, den nach Regenfall klingenden Begleitklängen und dem hypnotischen Gesang klingt teils nach der mongolischen Formation Huun-Huur-Tu, dann wieder nach dem Amazonas-Projekt der Young Gods.

Zuvor hörte man bei “#5” einen langsamen, Kubrick-Mässigen, schwummrigen Chor aus Stimmen, welcher sich langsam in ein Minimal-Beat ergibt. Bei “#1 waren es gar handfeste, beinahe tanzbare Beats, hier mit eingewobenen Stimmen, Saxophon und allerlei undefinierbarem.

In D ist ein Album für Entdecker und Schatzgräber, die vor experimentellen Klängen nicht zurückschrecken. So sind gewisse Passagen in “#9” sehr gewöhnungsbedürftig, aber gewaltig zum Anhören – vom Intro mit den verzerrten Stimmen über den Bombast-Einsatz der Drums bis zum sich selbst auflösenden Ende. Des Weiteren hört man dann Sitar in einem Track, der sich nach Nine Inch Nails‘ Ghosts anhört, düstere Posaunen und gehetztes Gerassel im Stile des Four Tet.

Nein, dass der Künstler uns hier seinen Namen und sein Antlitz vorenthält, kann eigentlich egal sein – solange uns die Musik nicht vorenthalten wird. Diese lässt uns abtauchen in eine zuweilen düstere Traumwelt. Minimal-Electro trifft da auf verschiedene Facetten aus Worldmusic und Film-Soundtrack. Das akribisch zusammengesetzte Werk, mit all seinen Mikro-Geräuschen und wohlplatzierten Fragmenten überzeugt von Anfang bis Ende und hinterlässt beim Hörer nächtliche Dschungelbilder im Kopf.

(grid)

Reinhören: www.myspace.com/arandel

Ganz leise beginnt es. Scheue Töne setzen ein, oder tanzende Punkte. Vielleicht auch Vögel. Es entsteht ein wunderschöner Klangteppich der mich schon in den ersten 20 Sekunden abheben lässt. Ja, es ist federleichte Musik. Techno, der sich langsam steigert, oder man spürt, dass er kommen wird. Dazu Streichmusik im Hintergrund. Der Beat ist lustigerweise fast ein Housebeat. Es ist wie eine Droge, diese feinen Tönchen im Hintergrund, sie verzaubern mich sofort.

“Alma” beginnt mit Perkussion, gemischt mit einem feinen Beat. Es ist nicht die Art von Techno, die dir aufgedrängt wird, sondern sie nähert sich dir langsam und nett und du kannst selber bestimmen, ob du eintauchen willst, oder nicht. „Alma“ ist eher monoton. Verschiedene Arten von Hacken. Vielleicht verschiedene Spechte im Wald. Doch plötzlich kommt die Überraschung: Melodie. Tanzende Töne setzen ein. Ich kann es nicht beschreiben, es ist einfach super schöne Musik die man laut aufdrehen muss. Egal ob Morgen oder Abend, es passt immer. Vergleichen könnte man die Musik vielleicht am ehesten mit Lee Jones – er arbeitet manchmal auch mit diesen Beats und Tönchen. Ja, es hat etwas Hüpfendes, etwas sehr sehr Fröhliches.
Clara Moto ist eine echte Künstlerin. Sehr fantasievoll mischt sie Geräusche und alles Mögliche zusammen, und am Schluss klingt es gut. Sie hat das richtige Gespür für die grosse, schöne, riesige Welt des Elektro.

Bei “Deer and Fox feat. Mimu” taucht das erste mal eine Stimme auf. Eine Frauenstimme singt, als ob sie weit weg wäre. Dann mehrstimmig. Spontan kommt mir Björk in den Sinn, und doch ist es wieder anders. Es wird eine Spur funkiger, jazziger. Vielleicht sogar discotauglich. Aber immer noch schön und leicht einlullend. Zuerst nervte mich die Stimme, aber jetzt wird sie immer besser. Immer noch die nette Harfe im Hintergrund, und alles passt gut.

„Glove Affair“ beginnt mit einem härteren Beat. Könnte auch Trance sein. Schön! Und treibend. Du musst einfach tanzen zu Claras Musik. Oder zumindest wie ein Hip-Hopper mit Kopf nicken. Klassische Musik ist ihr aber auch wichtig. Hier tönt es manchmal wie Orgelmusik. Wiedermal jemand, der weiss, dass sich klassische Musik und Techno sehr gut verstehen. Die Übergänge der Lieder sind fliessend.

„Song of Exhaustion“ erinnert mich an Sascha Funke oder Efdemin. Ich finde das grossartig, wenn man nicht nur einen Beat präsentiert bekommt, sondern noch einen ganzen Klangteppich dazu. Beinahe ein ganzes Universum in einem Lied verpackt. So viele Nebenklänge, dass man den Beat am Ende fast vergessen hat. So unglaublich sanfte Musik! Techno kann sehr weich sein, beweist Clara wiedermal. Polyamour ist definitiv ein Album, das süchtig macht. Du musst es jeden Tag hören. Und es gibt kein Track auf dieser Platte, der langweilig ist.

“Goodnight Twilight” fühlt sich an, als ob du tief unter Wasser am Tauchen wärst, oder dann schwebend in der Luft. Für mich hat Polyamour stark mit Wasser und Luft zu tun und deren Schönheit. In diesem Lied gibt es keinen Beat, sondern ganz weich, eher Chill-out. Auch das nächste ist sanft und würde gut auf eine „Café del Mar“ passen. Sehr kitschig und wieder diese Frauenstimme. Immer wieder kommen diese schönen, luftigen Tönchen. Kurz erinnert mich es an Apparat.

„Three Minutes“ klingt hier fast wie „nette“ Alarmtöne. Bisschen lauter und näher an den Boxen als sonst. Der Beat ist eher discomässig. Die Melodien erinnern mich an Trance. Clara Moto ordnet Beat und Tönchen und Hintergrund so an, dass jeder seinen Part bekommt. Eine gute Art, eine Geschichte zu erzählen. Ein starker Technobeat braucht doch auch ein weiches Gegenstück! Und das hat sie erlickt.

„Silently“ ist wieder mit Stimme. Diesmal klingt sie aber recht anders. Mir kommt sofort Dani Siciliano in den Sinn. Auch Matthew Herbert ist nicht weit weg. Sehr schön! Souveräne Stimme. Mehrstimmig und wieder bisschen Disco. Vielleicht könnte man die Musik auch als „Disco-Luft-Techno“ bezeichnen? Ja, man kann die Frau wirklich nur loben. Die perfekte Balance von Liedern mit Gesang und Liedern ohne Gesang. Hier kommt bisschen Groove und Trash dazu. Oft wird es einem langweilig bei einem Techno-Track, bei ihr aber nicht. Weil die Melodie nie fehlt in ihren Lieder. Ja, ich denke, das Wort Disco passt auch gut zu ihr, aber in einem guten Sinne. Man könnte es vielleicht so beschreiben: Es geht einfach darum, dass sich verschiedene Techno-Töne Antwort geben. Einen Dialog beginnen, und hin- und herzappen.

Polyamour ist smoother Techno der laut gehört werden muss, und ist einfach wunderschön! Wiedermal strahlt mein Gesicht und sagt: Techno macht glücklich.

(Meret)

Reinhören bei MySpace: www.myspace.com/claramoto

One One, das sind 10 Tracks über 10 Städte. “Manchester” beginnt zart, scheu und ruhig. Wie ein stark wehender Wind der noch eine Melodie mitbringt. Alles wird schneller, und mehr Instrumente kommen dazu. Eine Männerstimme beginnt leise zu singen. Eine zweite setzt ein. Es ist beinahe Sprechgesang. Im Hintergrund eine Kindermusikdose. Mir kommt Psapp in den Sinn, und die Eels. Das hier ist eher ein ruhiger, scheuer Herbert.

Früh in diesem Jahr hat Popshop alias Martin Akeret wieder einmal ein Album abgeliefert, welches solide elektronische Musik verspricht. Und schon nur der Name A Warm Place Without Memory deutet auf weiche, wohlige Klänge und eher introvertierte musikalische Landscapes hin. Ein erstes Anspielen der Tracks bestätigt dies sehr bald.

Diese “Soundscapes” entstehen auf dem Album mittels Hall- bzw. Delayeffekt und der Übereinanderschichtung von sehr vielen verschiedenen kleinen Klängen und Microbeats. Sorgfältig wird zusammengetragen, aufeinandergestapelt und ineinandergewoben. Das erinnert schon mal an den Briten BT und das geniale Album This Binary Universe, vor allem wenn die Beats ein wenig knarziger werden, wie im Track “Full Of Grunge (2010)“. Dies, zusammen mit der wohlplatzierten elektrischen Gitarre macht den Track schon mal zu einem der Höhepunkte des Albums.

Die verschiedenen Instrumente, vor allem die Drums und auch die Gesangsstimme, werden ganz sorgfältig im (Stereo-) Raum plaziert. In “The End Of The Symphony” hört man jene Stimme abwechslungsweise aus einiger Ent stehend, dann wieder direkt neben dem Ohr flüsternd. Neben der Platzierung der Klänge im Stereobild ist auch die Wahl der Instrumente sehr abwechslungsreich: Stets darauf bedacht, dem Sound seine misteriöse Note nicht zu nehmen, sind meistens Synthies, aber auch Pianoklänge und oben schon erwähnte Elektrogitarre zu hören.

Wie schon Tracks auf früheren Popshop-Alben bieten auch hier verschiedene Songs die geeignete Musikkulisse, wenn die Landschaft bei einer Zugfahrt an einem vorbeizieht. Jene ein wenig an die späteren Alben von Kraftwerk erinnernden Tracks sind dann ein wenig schneller, dennoch sehr entspannt und von sich ständig verändernder Beschaffenheit – eben wie die vorbeiziehende Landschaft aus einem Zugfenster betrachtet (Tracks “Basic Life Support“, “Shaken Confidence“). Wie aber bei diesen Aussagen schon zu erahnen ist, handelt es sich bei dieser elektronischen Musik weniger um jene, die ihren Weg auf die Tanzfläche finden würde. Zu verträumt sind die meisten Tracks, auch wenn die Beatgeschwindigkeiten eigentlich etwas anderes vermuten liessen.

Andere Tracks wie “Human Machine Interface” klingen wiederum sehr industriell, es liesse sich das Ballett von Roboterarmen einer Fertigunsstrasse damit vertonen (dieser Industrie-Gedanke hatte wohl auch der Musiker, man beachte den Videoclip). Kalt wirkt die Musik dennoch nie – es bleibt eben gemäss dem Versprechen des Albumtitels “A Warm Place”. Mit an Twin Peaks-Filmmusik erinnernden Hintergrundlängen zu Beginn hat mit “Same Place” auch die Gastsängerin Larissa Kapp ihren Platz.

A Warm Place Without Memory ist ein Album, bei dem es viel zu entdecken gibt. Schichten von verschiedenen Klängen und Beats sind auseinanderzunehmen, um darunter wieder neue, mysteriöse Landschaften zu finden. Ruhig heisst in diesem Fall nicht langsam, Elektro nicht steril, düster nicht bedrückend. Popshop ist ein begabter Sound-Architekt, denn auch das jüngste Gebäude ist gelungen.

(grid)

Reinhören: http://www.myspace.com/popshopzurich
Videoclip von “Basic Life Support”: YouTube

Es beginnt langsam, gemütlich und klingt wie in einem buddhistischem Tempel, wo gerade meditiert wird. Harfe und sonstige berieselnde Instrumente, die fast hypnotisierend wirken. Dann setzt ein Saxophon ein. Sie spielt super. Es wird jazzig. Dann wieder berieselnd und einschläfernd. Das Stück geht sehr lang.

“You know you know” beginnt ruhig und zögerlich. Jazzige Gitarren und eine Orgel, vielleicht eine Hammond. Es ist gemütlicher Jazz. Mit gewissen Themen, die sich immer wiederholen. Eigentlich ganz einfach gestrickt. Und doch gut. Es eignet sich gut als Hintergrundsmusik. Immer mehr Instrumente kommen dazu, z.B. Schlagzeug.
“Theme From Sprite” wird gemanaget von Gitarren. Sie spielen flüssig, immer weiter und weiter und wollen nicht mehr aufhören. So sehr, dass ich gar nicht bemerkt habe, dass das dritte Lied nun ins vierte übergegangen ist. Jetzt gibt es wieder einen Hauch Asien, ähnlich wie ganz am Anfang der Platte.
Langsamer, gemächlicher Jazz, würde ich das beschreiben. Orgel, Schlagzeug und irgendein Blasinstrument. Allgemein fallen mir die schönen Bläsersolos auf. Die Klarinette ist die, die reden will, die Aufmerksamkeit will. Immer wieder dieselben Themen, die sich wiederholen. Vielleicht auch ein Markenzeichen dieser Platte. Ist es vielleicht eine Chill-out-CD? Jedenfalls Musik, geeignet zum Dösen. Es tönt alles recht gleich.

Jetzt erst merke ich, dass jedes Lied von anderen Musikern gemacht ist. Also eine Sammlung? Dabei sind Alice Coltrane, Mahavishnu Orchestra, Squarepusher, Soft Machine, Roxy Music, Detroit Experiment, Moodyman, Osunlade, Underworld, Laurent Garnier, Miroslav Vitous und Brian Eno and Karl Hyde.

Bei “2HB” taucht die erste natürliche Stimme auf, und es tönt sehr nach den Beatles. Ja, es könnte wirklich ein Beatleslied sein. Und es erinnert mich sofort an alte Zeiten.
“Space Odyssey” ist Trompetenjazz. Schön! Wow, die Blasinstrumente haben es wirklich im Griff auf dieser Platte. Gemütlicher Jazz mit Bass, Piano, Schlagzeug. Die Hauptfigur ist die Trompete. Es wäre sogar möglich, dass die Blasinstrumente diese Platte regieren.
Bei “Rectify” kommt das erste mal ein leichter Elektrobeat dazu. Es klingt nach Chill-out mit Jazz. Wie in einer Strandbar in Italien. Ein Mann, der singt. Gemütliche Hintergrundsmusik.

Nummer 8 bis 12 werden nun plötzlich schneller und nervöser. Vielleicht auch gefährlicher. Es erinnert mich plötzlich an die Drei Fragezeichen. Es gibt jetzt plötzlich auch ein bisschen Elektro, und sogar einen Technobeat. Es scheint, als erwache die Platte nach der zweiten Hälfte. Eine jazzige Verfolgungsjagd beginnt. Vielleicht gemischt mit bisschen House? Jedenfalls ist es Jazz auf höchstem Niveau. Weiter geht’s mit hektischen elektronischen Experimenten. Auffallend ist auch, wie lange die Lieder jeweils dauern. Zwischen 5 und 10 Minuten. Und immer haben die Blasinstrumente das Sagen.

“New York City” ist Funk. Da kann man nicht ruhig stehen bleiben. Recht nervös, zusammen mit einem Klavier und einer Stimme im Hintergrund, aber es ist toll. Es erinnert mich kurz an Gilles Peterson oder Pet Metheny. Zudem muss man sagen, dass das Lied super aufgebaut ist, für die 10 Minuten, die es dauert.

Athens ist ganz klar eine Jazz-Platte, mit viel Trompete. Fast keine Spur von Elektro. Dafür wirklich Jazz vom Feinsten. Mal gemütlich, mal hektisch. Sehr zu empfehlen.

(meret)

Mini-Website zum Album: http://www.underworld-misterons-athens.com/

http://www.myspace.com/fmbelfast

http://www.fmbelfast.com

“Sombrero Or Die” beginnt stampfend, schnell, wie ein Zahnrad, das dreht und dreht und vorwärts muss. Vielleicht eine Verfolgungsjagd durch den Dschungel. Ab und zu wieder seltsame elektronische Töne und spezielle Melodien. Wow! Es ist schön. Zum Teil wird die Musik fast zu Trance, und erinnert mich an Faithless. Musik, die glücklich macht. Es klingt nach Techno, aber man merkt, dass es mit analogen Instrumenten gespielt ist.

Filewile, das sind die beiden Berner Produzenten Dustbowl (Andreas Ryser) und Dejot (Daniel Jakob). Andreas Ryser sagt zum neuem Album, dass sie nun grösstenteils mit analogen Geräten arbeiten. Der Laptop dient nur noch als Steuerung und nicht mehr als Instrument, wie früher beim ersten Album. Nun kommt eine Tape-Maschine, Space-Drum und eine Farfisa-Orgel aus dem 1963 zum Einsatz.

Mit “Number One Kid” tauchen die ersten beiden Stimmen auf. Mir gefallen die elektronischen Tönchen im Hintergrund. Pfeifen. Groovy-Funky. Jedenfalls sehr fantasievoll und mit Beat. Weiter geht’s mit Swing. Trompeten und jazzige Tollpatschigkeit. Easy-Sonntags-Sonnensound mit einer Prise Reggae. Experimentelle elektronische Töne. Filewile mischen ganz verschiedene Musikstile zusammen, das gefällt mir. Es ist nicht unbedingt elektronisch, aber dann wieder doch.
“Radiotower” erinnert mich einwenig an Tim & Puma Mimi, gemischt mit Musicalgesang, ja fast geistlichem, klassischem Gesang. Vielleicht chinesischer Gesang? Jedenfalls eine sehr hohe Stimme. Mir ist, als wäre ich in China, und würde beim Frühlingserwachen zuschauen. Ungewohnte Melodien.

Die Musik von Filewile ist schwer zu beschreiben. Zum Glück auch. Sehr eigenständige Musik, die nicht mit einer anderen Band zu vergleichen ist. Musik, die man sonst selten hört. Die Band hat Freude am Zusammenmixen von verschiedenen Elementen, und das gelingt ihnen perfekt. Egal was, es stimmt einfach. Ob es nach Hiphop klingt, nach Reggae oder nach Elektro. Lustig finde ich auch, dass man kaum versteht, in welcher Sprache jeweils gesungen wird.
“Blueskywell” präsentiert sich mit einer schönen, dunklen Frauenstimme, und erinnert mich einbisschen an Morcheeba, von der Stimmung her. Etwas, das sich durch die ganze Platte durchzieht ist der Tollpatsch, das Jazzige, Trashige, Gemütliche, die Experimentierfreude. Aber auch die schönen Melodien haben Filewile im Griff. Und das finde ich sehr wichtig.

Weiter geht’s mit Tranceeinflüssen, kratzigen Geräuschen und hohen Gesängen, die irgendwie altmodisch klingen und dann doch wieder modern. Für die Stimme ist übrigens die Sängerin Joy Frempong zuständig. Nun sind sie nicht mehr nur ein Laptop-Duo wie früher, sondern haben mit ehemaligen Gastmusikern eine veritable Band geformt, zu der nun auch der Bassist Mago Flück gehört. Ende 2007 tourte die Band in Mexiko und haben dort viele Soundideen gesammelt, die sie dann im Studio zu Blueskywell verarbeitet haben.
Ich habe das Gefühl, dass ihnen Rhythmus allgemein wichtig ist. Der stimmt perfekt, in jedem Lied. Eben dieses Zahnrad, das dreht und dreht und dreht.

“Iron Lady” beginnt mit einem wunderschönen Anfang und erinnert mich wieder an Faithless. Sprechgesang kommt jetzt zu Trance: es wird spannend und exotisch. Wow! Diese Wendung hätte ich nicht erwartet. Verschiedene Blasinstrumente und Sirenen werden gemischt. Vielleicht ist das Mexiko?  Bis zum Schluss gibt’s noch eine schottische Atmosphäre mit Harfe, gemütlich und Chill-Out zum Entspannen. Dann kommt Blasmusik, Fasnacht und
Marschmusik, zu der eine Frau im Sprechgesang eine Geschichte erzählt.
“Codeine” ist etwas Rock und etwas Trip-Hop. Wieder Sprechgesang und mir kommt Tricky in den Sinn. Sehr schöne Kombinationen und ein cooler Beat, der das Ganze tanzbar macht.

Ich bin begeistert von Blueskywell. Ein Album, das man einfach haben muss. Zusammengemixt aus vielen verschiedenen Dingen ergibt sich ein Wunderwerk. Fantasievoll und mutig. Exotisch und perfekt.

(meret)

Reinhören: http://www.myspace.com/filewile

Der 23-jährige Randolph Chabot ist Deastro, eine eindrückliche One-Man-Show. Alles macht er selber, zimmert unglaublich satte Songs zusammen, die energiegeladener kaum sein könnten. Man hat das Gefühl, eine ganze Band tobt sich hier aus, dabei ist das grandiose Talent eines einzelnen Mannes für diesen druckvollen Sound verantwortlich. Die Songs füllen den Raum, leben von Power und Melodie. Wenn man das Ganze „Future-Rock“ nennen würde, läge man nicht schlecht. Gitarren-, Schlagzeug- und geniale Synthesizerspuren legt er gekonnt übereinander, dass es eine wahre Ohrenfreude ist. Seine Stimme (der ordentlich Hall beigemischt wurde) setzt dem Ganzen noch das Sahnehäubchen auf.

Das Tempo der Musik ist immer hoch und intensiv, trotzdem hat man nicht das Gefühl, überfahren zu werden. Jeder Song hat es in sich und ist eine rhythmisch-melodiöse Achterbahnfahrt in Perfektion. Manche würden ganz gut auf den gepflegten Dancefloor passen und den Leuten ein Grinsen ins Gesicht zaubern. Denn manchmal sind seine Stücke  gefühlvoll mit Kitsch „getuned“, über den man schmunzeln muss. Da kann es schon mal vorkommen, dass Märchenglöckchen klingeln…

Future-Rock, Synthie-Pop oder Elektro-Pop, man kann es nennen wir man will, eindeutig einordnen lässt sich Deastros Sound nicht. Das ist auch gut so, denn er hat seine eigene Welt erschaffen, die beeindruckt. Nachdem man sich genüsslich zum fünften Mal „The Shaded Forests“ zu Gemüte geführt hat, wünscht man sich etwas Utopisches: Nämlich, dass sich der mehrheitlich langweilige Mainstream-Pop, der heute aus dem Radio säuselt, sich nachhaltig verändert. In eine neue Zukunfts-Musikrichtung, in der Deastro einer der Pioniere sein wird.

Randolph Chabot scheint so voll Energie zu sein, dass dies der Anfang einer langen Geschichte sein könnte. Es ist zu hoffen.

(bb)

Reinhören: http://www.myspace.com/deastro