29.08.2009 Lamb + Morcheeba + Martina Topley-Bird @ Musikfestwochen, Winterthur

22.09.2009 Archive @ Volkshaus, Zürich
23.09.2009 Archive @ Les Docks, Lausanne

24.11.2009 Massive Attack @ Eishalle Deutweg, Winterthur

30.01.2010 Archive @ Salle Métropole, Lausanne

Was darf man von einem Album des dänischen Remixers Anders Trentemøller erwarten? Mit den Röyksopp- und Yoshimoto-Remixes hat er die Clubs in Ekstase versetzt. Und die Messlatte dementsprechend hoch gelegt. Doch wer nun ein Duztend Dancefloorkracher auf dem Debüt erwartet, wird enttäuscht. “Das neue Radiohead-Album, das nicht von Radiohead ist” – “Die zugänglichere Version von Aphex Twin” – “funkige Boards of Canada” – “Das bessere Electronica-Album als Nathan Fakes Drowning in a Sea of Love”. Ja was denn jetzt? Höchste Zeit der Sache auf den Grund zu gehen.

Trentemøller hat für seinen Erstling den Dancefloor verlassen und sich auf die Reise in einen kalten, düsteren Herbstwald begeben. “Take Me Into Your Skin” eröffnet das 77 Minuten lange Album mit ersten – für Trentemøller typischen – Frickeleien. Eine warme Basslinie treibt den Song voran, bis die Streicher einsetzen. Das erinnert teilweise an Massive Attacks “Butterfly Caught“. Zwischendurch darf man einen klassischen Big Beat geniessen. Ein herrlicher Start und der Hörer ist in Trentemøller’s Zauberwelt gefangen.

Dann wirds schwerfälliger: Der böse “Vamp” und “Evil Dub” schlurfen durch den Wald. Danach folgt mit “Always Something Better” die vorgängige 12-inch-Auskopplung, die durch ihre Abwechslung restlos überzeugt. “While The Cold Winter Waiting” erklingt mit hellem Glockenspiel und könnte durchaus aus der Feder einer isländischen Band stammen. Doch bevor man sich mit diesem Gedanken ernsthaft befassen kann, folgt ein neuerlicher Stilwechsel. “Nightwalker” ist ein deeper House-Track. Doch schon “Like Two Strangers” könnte ein Mogwai-Song der ruhigen Sorte sein. Das Spiel mit allerlei Variationen geht weiter: In “The Very Last Resort” packt der gute Herr sogar die Surfgitarre aus. Nach dem stimmungsvollen “Snowflake” folgen mit “Chameleon” und “Into The Trees” die zwei einzigen Tracks, die ansatzweise für den Dancefloor taugen. Da werden die Remixer die restliche Arbeit verrichten. Das grandiose “Moan” setzt den letzten Höhepunkt der Platte. Ein wunderschön harmonischer Trip in die Morgendämmerung, begleitet von Vogelgezwitscher. “Miss You” führt den Hörer letztendlich sanft zurück in die Realität. Die Dunkelheit ist vorbei. Doch ob jetzt Tag oder Nacht ist, weiss hier keiner so genau.

Schlussendlich hat der Däne eine Electronica-Platte produziert, die trotz der vielen Stile und Einflüsse wunderschön homogen wirkt, und Melancholie ist ihr treuer Begleiter. Düstere Filmmusik, die am Stück gehört werden will. Und das am besten zu Hause in aller Ruhe.

Anders Trentemøller hat auch an diejenigen gedacht, die ihm nicht in den finsteren Wald folgen: Auf der Limited Edition legt er freundlicherweise eine Bonus-CD mit den bisher erschienenen Singles bei. Da sind auch die Dancefloor-Puristen bedient. So kriegt er uns alle. Elektro-Herz, was willst du mehr?

(raffi)

X ist in diesem Fall Chris Corner, “nebenbei” Frontmann und Mastermind der (aufgelösten?) Londoner Band Sneaker Pimps, deren erstes Lebenszeichen das 1996 erschienene Debüt Becoming X war..Gefolgt vom erfolgreicheren Zweitling Splinter im Jahr 1999. Docj mehr dazu in unserem Bandprofil.
In vielen Kreisen ist Corner bereits besser bekannt mit seinem Soloprojekt I AM X. Man kennt ihn vor allem live als Künstler, der sich gerne in Szene setzt. Aber widmen wir uns nun seinem zweiten und neusten Album The Alternative…

Mit President empfängt uns ein Opener, wie er im Buche steht. Man folgt den Worten Corners ab der ersten Sekunde, als führten sie einen Trauermarsch an. Begleitet von Staccato-Piano, stampfendem Bass und pompösen Bläsern, weiss man nicht so recht, ob man weinen oder mitsingen soll.

‘They pull our strings
The animals
They blind, they breed the hate
Under their wing
We’re scientist
We swallow what they fake’

Wie auch immer man sich entscheidet, mit dem Titelsong The Alternative bleiben wir textlich sowie musikalisch zwar in düsterer Stimmung, jedoch mit einem Rums, dass die Wände wackeln. Die markerschütternde Stimme Corners, getragen von äusserst tanzbarem Electro, bohrt sich tief in die Gehörgänge. Insbesondere im Refrain läuft es mir kalt den Rücken runter – mein persönliches Highlight auf der Platte!
Ich kann mich nicht zurückhalten, hier eine weitere Kostprobe aus dem lyrischen Fundus von I AM X:

‘so throw your guilt religion
to the liars and the weak
this is the politics and war
of ecstasy

and all the nonsense of that vision
that is failing every test
it’s the comedy and death
of your senses

the alternative to real world
is just time for me and a fantasy
be blind to myself
to idolise’

Spätestens ab der ruhigeren Downtempo-Nummer Lulled By Numbers dürfte klar sein, wo man steht. Ich zumindest darf mich hier und jetzt offiziell als begeisterten I AM X-Konsumenten bezeichnen! Wenn es nach mir ginge, würde ich auf jeden einzelnen Song eingehen und daraus zitieren, aber… dies würde den Rahmen dieses Reviews wohl sprengen. Zusammengefasst lässt sich das Ganze als dunklen, harmonisch und rhythmisch intelligent arrangierten und druckvollen Electro beschreiben. Dazu kommen die genialen, mit intensiven Gesangslinien vorgetragenen Lyrics Corners. Sozialkritisch, verzweifelt und dennoch voller Temperament führt uns seine betörende Stimme durch eine düstere Gedankenwelt. Es reichen sich Granaten à la Bring Me Back A Dog und balladeske Stücke abwechselnd die Hand. Insbesondere die ruhigeren Nummern sind meiner Meinung nach besonders gut gelungen. So erzeugen das Herz zerreissende S.H.E. oder This Will Make You Love Again auch beim xten Hördurchgang noch Gänsehaut – so muss es sein!

Allerdings wünschte ich mir über das ganze Album hinweg aus musikalischer Sicht ein breiteres Klanggebilde, wirken die Lieder auf die Dauer doch ein wenig zu ähnlich, zumindest was Klang bzw. die Produktion anbelangt. Abgesehen davon überzeugt The Alternative mit einer unglaublichen Intensität und Texten die einem wie feinste Zartbitter-Schokolade auf der Zunge zergehen – Ich will MEHR!

Abschliessen möchte ich mit einer Textpassage aus This Will Make You Love Again:

‘When the joys of living just leave you cold
Frozen from the failing mess you made your own
And if you want an ending to your screenplay life
Well here’s the consolation that will change your
heart and mind

All the glitz messiah’s just pass the time
A cure for no real sickness, cross your hopes and die
Your supermarket Jesus comes with smiles and lies
Where justice he delays is always justice he denies

This will make you love again’

Hörproben gibts hier.

(nt)

Meine Favoriten:

- The Alternative

- S.H.E.

- This Will Make You Love Again

Schon die ersten Klänge, die man hört, lassen keine Zweifel offen: Man hat die neue Boards of Canada vor sich. Typische Akordwechsel, sphärische Soundgebilde, die sich vor dem geistigen Auge aufbauen, ähnlich den “Islands” auf der Website von Boards of Canada, die man überfliegen und erforschen konnte (die Seite ist leider nicht mehr online).
Somit ist klar: keine Überraschungen, gewohnte Qualität von BoC. Oder?

Neu bei diesem Album ist, dass sehr viele Gitarren verwendet wurden, die dem Ganzen mehr Weichheit und eine andere Art von Entspanntheit geben. So erinnern einige Tracks schon beinahe an die frühen Air (z.B. Satellite Anthem Icarus), doch Titel wie Chromakey Dreamcoat sind sehr typisch und unverkennbar Boarads of Canada. Die längeren Tracks werden durch kurze, 1- bis 2-minütige Intermezzos mit Namen wie A Moment of Clarity oder Constants Are Changing unterbrochen.

Wie gesagt, das Album ist unverkennbar Boards of Canada. Leider konnten die Brüder Mike Sandison und Marcus Eoin mit dem Werk als Gesamtes jedoch nicht an die Stimmigkeit und die Atmosphäre von Vorgängeralben wie Geogaddi anknüpfen. Abgesehen von Tracks wie Chromakey Dreamcoat oder Oscar See Through Red Eye haben sie eher einen Schritt in Richtung Publikumsverträglichkeit gemacht; man vermisst die Kantigkeit in den Beats. Manchmal  wartet man beim Hören förmlich auf die überraschenden eigenwilligen Beats und Klänge, wie diese Geogaddi z.B. mit Alpha And Omega noch zu bieten hatte. Stattdessen geht das Album mit einem langsamen Fadeout (Farewell Fire) zu Ende und man denkt: Schön war’s schon, aber irgendetwas hat gefehlt…

(grid)

Den ersten neuen Song von Björk hörte ich an der Eröffnungsfeier der Olympischen Spiele in Athen am Fernsehen. Als ich dem Song “Oceania” lauschte, konnte ich es kaum erwarten, endlich die neue Björk-CD in den Händen zu halten.
Nun halte ich sie in den Händen und weiss nicht, was ich über sie schreiben soll. Es ist ein sehr schwieriges Unterfangen, eine Kritik über Medulla zu schreiben.
Medulla ist schwarz. Die Farben entstehen erst nach mehrmaligem Durchhören. Die Stimme Björk‘s stand schon immer über ihren Songs. Nun steht sie im Zentrum. Eine Stimme, die für die Kraft der Natur steht. Die Kraft der Natur, die man in Island überall sieht. Man spürt die brodelnden Vulkane, die Weite der Gletscher und die auseinanderklaffenden Erdspalten. Es sind Bilder, die uns hier mit der Stimme aufgezeichnet werden. Bilder, die ein Stück der Natur festzuhalten versuchen. Medulla ist einzigartig und konsequent.

P.Tester

mm – Fünf Jahre haben sich James Lavelle und Richard File alias UNKLE Zeit gelassen, um ihr neustes Werk “Never Never Land” auf den Markt zu bringen.

Nachdem DJ Shadow nach dem Debüt-Album UNKLE den Rücken kehrte, war klar, dass sich der Sound von UNKLE ändern wird. Jedoch ist mit Richard File ein ebenbürtiger Ersatz zum Projekt gestossen. Die Platte wirkt als Ganzes sehr homogen. Ein wunderbares ruhiges und melancholisches Werk, das jedoch auch explodieren kann. Die Mischung zwischen Samples, Elektronik und klassischen Instrumenten ist überaus geglückt. Immer wieder lassen sehr gefühlvolle Klänge aufhorchen.

Auf der Platte haben eimal mehr grosse Gastmusiker mitgemacht wie Brian Eno, Jarvis Cocker (Pulp), Ian Brown (Stone Roses) sowie der QOTSA-Frontmann Josh Homme und 3D von Massive Attack, der seine Stimme und deutlich seine Handschrift im Song “Invasion” hinterlassen hat.

Einmal mehr genialer Sound von der Insel. In Sachen Kreativität und Verschmelzung verschiedener Musikstile sind die Engländer nun einmal Weltspitze. Kurz und gut ein perfekter Soundtrack für dunkle und kalte Wintermonate!

Selbst gespielt hat Kieran Hebden (so heisst der Londoner Künstler, der hinter Four Tet steht) warscheinlich nicht viel auf diesem Album. Viel mehr handelt es sich bei Four Tet um einen Sammler von Samples. Beispielsweise der erste Track “Hands” beginnt mit dem Herzgeräusch eines Hundes mit Herzrhythmusstörungen (auf diesen Sample sei er besonders stolz, hiess es). Auch sagt man über ihn, er verlasse nur selten das Haus ohne gewisse Recording-Geräte, Sampler oder gar das Notebook.

Nun mögen einige sagen, Samples zusammenzuwerfen und daraus neue Tracks zu produzieren sei nichts Neues und schon gar nichts Schwieriges. Mag schon stimmen. Nicht aber für Four Tet. Auf diesem Album wird mit blossen Samples mehr Gefühl, Emotion und musikalische Schönheit erschaffen als auf manchen Alben mit einer “herkömmlichen” Instrumentierung. Fragile, verträumte Klänge, die an Sommerwiesen und Ferientage auf dem See erinnern. Im Kopf spulen sich Super8-Filme mit Kindheitsszenen aus glücklicheren Tagen durch.

Das Album beginnt, wie schon erwähnt, mit Herzschlägen, arhythmisch, wie der ganze Track “Hands“. Begleitet von feinem Gebimmel und Geklimper. Darauf folgt “She Moves She“, einer der schnelleren Tracks des Albums. Trotzdem schafft dieser es, mit einer hohen Bpm-Anzahl doch sehr melancholisch und ruhig zu klingen, stotternde Gitarren- und stetige Benjoklänge machen die simple kleine Melodie aus.

“First Thing” schon wieder fast unhörbar, dann “My Angel Rocks Back And Forth“, der mit der Harfe beinahe wie Björk klingt. Hier findet die Melancholie einen ersten Höhepunkt. “Spirit Fingers” bringt dann die Geschwindigkeit wieder zurück, fast paranoid schnelle, abgehackte Samples.
“Unspoken” ist mit 9:31 Minuten der längste Track. Klavier, Drums und Vieherde, bzw. deren Glockengeläut. Man fühlt sich wie an einem stillen, heissen Augusttag irgendwo in den Bergen. Weit und breit keine Menschenseele, nur die Tiere und die traurige Melodie.

“As Serious As Your Life” ist der fröhlichste Track des Albums. Einer der beiden einzigen in Dur geschriebenen (sofern man bei dieser Musik überhaupt von Moll und Dur reden kann), bringt er doch einige Auflockerung und gar ein wenig Enthusiasmus rüber. “And They All Look Broken Hearted” ist dann der Track mit der schönsten Melodie und dem schönsten Namen. Rasselnde Drums, die uns schon beim ersten Track in ähnlicher Weise aufgefallen sind mit Harfe, traurig und schön. Mit “Slow Jam” gibt es dann am Ende noch den zweiten Song in Dur, ein ruhiger, abschliessender Ausklang.

(grid)

Es ist nie einfach ein zweites Album aufzunehmen, nachdem der Vorgänger von Kritikern und Publikum gleichermassen gefeiert wurde. So erging es auch Goldfrapp, nachdem uns das Duo im Jahr 2001 sein Debütalbum ‘Felt Mountain‘ präsentierte, das durch sphärische Klanglandschaften und die betörende Stimme von Alison Goldfrapp bestach und durch seinen Soundteppich wie ein wunderschöner Filmsoundtrack anmutete. 12 Monate wurde im Studio am neuen Album gefeilt und jetzt ist es endlich da: ‘Black Cherry‘.
‘Crytalline Green‘, der erste Track, beginnt überraschend fetzig und repräsentiert einen Grossteil des neuen Albums. Lauter und elektronischer kommt es daher – poppiger eben. Zur Poppigkeit kommt aber auch eine gewisse Sperrigkeit hinzu. Das Ganze kommt nicht so aus einem Guss wie der Erstling, was dieses Album aber auch interessant macht. Ebenfalls schmissig ist die erste Singleauskopplung ‘Train‘, doch es gibt auch ruhigere Moment, so zum Beispiel das schwelgerische Titelstück ‘Black Cherry‘, das noch am ehesten an die ‘alten’ Goldfrapp erinnert.
Ist Goldfrapps Zweitling nun ein gelungenes Album oder nicht? Wer ein zweites ‘Felt Mountain‘ erwartet, wird vielleicht ein wenig enttäuscht sein, doch man kann ‘Black Cherry‘ auch als konsequente Weiterentwicklung des Erstlings betrachten, auch wenn zeitweilig ein etwas krampfhaftes Vermeiden einer Wiederholung des Debüts spürbar ist. Neue Töne werden angeschlagen und es sind definitiv immer noch schöne Töne auch wenn die Avantgarde dem Pop ein wenig Platz einräumen musste. Hier liegt vor allem wegen der grossartigen Stimme von Alison Goldfrapp ein solides und gelungenes zweites Album vor – auch wenn allzu grosse Höhenflüge fehlen.

(akm)

jf – Darauf hat man lange gewartet! Die neuste Scheibe vom Trip-Hop-Urgestein Massive Attack. Schon alleine beim betrachten dieses Namens kommt Ehrfurcht auf, da sie ja unmissverständlich zu den absoluten Trip-Hop-Pionieren gehören und somit eine Band mit immensem Einfluss auf das heutige Musikgeschehen darstellen. Viel hat man im Vorfeld zum neuen Album schon gehört. Sie hätten ja schon einmal ein komplettes Album fertig gehabt, doch haben sie es wie es sich für exzentrische Genies gehört wieder komplett über den Haufen geworfen, auf dass nie ein Sterblicher das ihnen unwürdige Werk zu hören bekomme. So wurde kaum ein anderes Album sowohl von der Presse als auch von Musikliebhabern so sehr erwartet wie das neue und nun anscheinend auch würdige Massive-Attack-Album “100th Window“.

Die Erwartungen an die Soundtüftler aus Bristol waren natürlich immens, jedoch ist man wohl in letzter Zeit etwas vorsichtig geworden, was zu hohe Erwartungen anbelangt. Schliesslich wäre es nach Morcheeba oder den Pimps, um nur zwei davon zu nennen, nicht die erste Band dieses Genres, die eine andere, popigere Musikrichtung einschlägt.

Nun ist es endlich da, das Album, auch wenn ein wenig verspätet. Die Musikkenner haben auch schon massenhaft Kritiken darüber abgegeben. Die Meinungen gehen dabei aber gewaltig auseinander. Für die einen fehlt schlicht die MA-typische Innovation. Die anderen sind, wohl noch von der Angst der Enttäuschung geblendet, froh, dass sich MA nicht unter dem Deckmantel “Weiterentwicklung” verändert haben. Dies ist auch eine durchaus korrekte Ansicht, denn der Sound lebt immer noch von seinen hypnotisch schleppenden Beats, die fast zeitlupenmässig rüberkommen. Daher steht der Name der Band immer noch für typischen 90iger-Trip-Hop, deep&dark, wie man es in Bristol nennen würde.

Die tiefgründigen Beats sprechen also für ein tolles Album. Auf einzelne Lieder mag diese Aussage zutreffen, doch auf alle Tracks bezogen wirken die Beats eher monoton. Eine Ausnahme bildet da wohl nur Butterfly Caught, ein Lied, das mit einem schnelleren Beat aber auch wieder fast aus dem Rahmen fällt.
Für eine gewisse Monotonie spricht auch der Gesangsteil der CD. Wegen Familienpause ist Daddy G auf diesem Album leider nicht vertreten, sodass der Gesangspart aus dem eigenen Hause nur von 3D stammt. Doch der Bass von Daddy G fehlt mir eindeutig.
Neben 3D ist auf zwei Tracks die Stimme von  Horace Andy zu hören. Dieser Name rsp. der Klang seiner Stimme dürfteMA-Fans wohl bekannt sein, denn er war schon auf den vorherigen Alben zu hören. Für Abwechslung sorgt diese Stimme aber auch wenig, da seine flüsternde Art zu singen sich nicht sehr von der von 3D unterscheidet. Trotzdem können die Lieder mit ihm gewisse Akzente setzen und mal abgesehen von den Tracks mit Sinead O’Connor ist wohl Name Taken einer der besten Tracks.

Wie schon verraten ist auch Sinead O’Connor mit von der Partie. Ihre fantastische Stimme scheint wie angegossen zu den besprochenen Beats zu passen. Mit den drei O’Connor-Tracks hört sich das Album auch schon einiges abwechslungsreicher und interessanter an. Diese Stücke vermögen zwar nicht ganz an Klassiker wie Teardrop heranzukommen, aber sie geben dem Werk doch einen Hauch von Massive Attack’scher Genialität.

Persönlich gehöre ich also trotz einigen Kritikpunkten eher zur Seite der 100th-Window-Liebhaber. Denn nach dem genialen Erstlingswerk Blue Lines, dem kaum zu überbietenden Protection und schliesslich dem Meisterwerk Mezzanine konnte man von Massive Attack einfach keine neue Revolution der Musik mehr erwarten ! Oder etwa doch ?

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AO – Hiermit schliesse ich noch etwas an Frigg’s Schlusswort an und gebe eine etwas andere persönliche Sicht ab. Natürlich ist das Album im Grossen und Ganzen ein durchaus gut produziertes Stück Musik. Die Innovation bleibt aber entschieden aus. Das macht die Musik natürlich nicht schlechter, aber in einer Zeit, in der wir geradezu von qualitativ hervorragender Musik überschwemmt werden, wird wohl der Faktor Innovation trotzdem immer wichtiger bei der Entscheidung, in welche Platte ich mein nicht gerade grenzenlos verfügbares Geld stecke. Mir persönlich fehlt wohl auch die von mir so geliebte Gefühlstiefe, die MA bei ihren früheren Alben so wunderschön vermittelte. Dass Miss Papstbildzerreisserin Sinead O’Connor wieder einmal mehr ihre unsagbar eindrückliche Stimme zur Verfügung stellt, freut mich natürlich immer wieder. Andererseits ist sie immer sehr dominant für die Prägung eines Liedes, was einem nach langem Warten auf etwas MA-artiges vielleicht etwas enttäuscht. Doch gibt es wohl selten ein Album, über das man sich so den Kopf zerbrechen kann, ob man nun enttäuscht sein soll oder sich einfach ins perfekt produzierte Klanggewirr von 100th Window fallen lässt.

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NT – Für mich ist 100th Window neben The Power To Believe von King Crimson das spannendste Album des letzten Jahres. Es war nicht anders zu erwarten: Das Volumen dieses Albums entfaltet sich erst nach zahlreichem Durchhören und dem Eliminieren möglichst vieler Vorurteile. Nachdem ich mir die Silberscheibe ergattert hatte und das erste mal reinhörte, liess sie mich völlig kalt. Ich hatte selbstverständlich meine Freude an den wunderschön düsteren Beats, aber die voller Euphorie erwarteten Schmetterlinge im Bauch blieben aus. Ich vermisste Lieder wie Protection, Teardrop, Better Things, Black Milk usw.
Einige Tage und Hörproben später war ich schon so weit, dass ich solch lautstarke Behauptungen wie “Mezzanine und Protection sind viel besser, 100th Window ist zu monoton und langweilig!” von mir geben konnte. (Nichts gegen deine Meinung Frigg
Nach zwei, drei Wochen aber schob ich die CD erneut in meine Anlage und betrat gewappnet mit Kopfhörern und Hi-Fi-Fernbedienung die düsteren Dimensionen der Massiven zum bestimmt schon zwanzigsten mal. Seit dieser, ich nenne es einmal ehrfürchtig: Reise, konnte ich sie bis heute nicht wieder in meinem CD-Archiv versorgen. Entweder haust sie in meinem Rucksack und begleitet mich auf Schritt und Tritt oder sie liegt drehend in meiner Anlage.
Horace Andys spezieller Gesang auf Everywhen und Name Taken lässt jedes Space-Herz höher schlagen, wie schon damals auf Mezzanines Man Next Door. Future Proof, Butterfly Caught, Small Time Shot Away und Antistar repräsentieren 3Ds Höchstleistung; und Sinead O’Conner – ohne Worte.
100th Window ist kein Stilwechsel, aber eine beeindruckende Weiterentwicklung! Wie schon bei Protection und Mezzanine bin ich auch bei der neusten Attacke sehr beeindruckt vom Konzept. Und tatsächlich ist jedes Stück, ohne Ausnahme, schlichtweg genial. Meine Lieblingsband hat mich seit 1995 nun schon zum dritten mal hypnotisiert.

Vergesst Protection und Mezzanine, wenn ihr dieses Meisterwerk abspielt. 100th Window besitzt scheinbar endloses Potenzial und wird, je öfter man es hört, intensiver. Behandelt es wie ein Debüt und ihr werdet es lieben!

Meine derzeitigen Favoriten:
- small time shot away
- name taken

Obwohl „Protection“ in der Top 10 der Coolest Albums of All Time List des Rolling Stones Magazines aufgelistet ist, obwohl „Radiation Ruling The Nation“, der Mad-Professor-Remix des Songs „Protection“, in einer Top 5 in der Nick-Hornby-Verfilmung „High Fidelity“ auftaucht und obwohl auf dem Album die letzte Zusammenarbeit mit Tricky zu hören ist, geht Massive Attacks Zweitling oft ein wenig zwischen dem frühen Noch-Nicht-Wirklich-Trip-Hop-Klassiker „Blue Lines“ und dem düsteren Meisterwerk „Mezzanine“ unter. So fehlt beispielsweise auf der deutschen Wikipedia ein Artikel zum Album und in der englischen Wikipedia muss es sich in der aktuellen Version gar als „coffee-table chill-out“ bezeichnen lassen.

Dieser Ausdruck, oder zumindest die Bezeichnung “Chill-Out”, mag zwar ansatzweise auf gewisse Tracks wie die beiden rein instrumentalen, von Craig Armstrong komponierten Stücke „Heat Miser“ und „Wheater Storm“ zutreffen, und dass das Album eine gewisse luftige Leichtigkeit aufweist, ist unbestritten, das Attribut wird aber dem Album als Ganzes, welches sich nie auf eine Musikrichtung festlegen will, nicht annähernd gerecht. Die Vielfalt an zumindest berührten Genres ist sicher auch auf die vielen am Album beteiligten Personen zurückzuführen. Neben den bereits erwähnten Tricky und Craig Armstrong und den drei Kernmitgliedern 3D, Mushroom und Daddy G waren MA-Stammsänger und Reggea-Urgestein Horace Andy, die Sängerinnen Tracey Thorn und Nicolette, der Produzent Nellee Hooper und einige mehr in den Entstehungsprozess involviert.

Das Album startet mit der zweiten Single „Protection“, welche am besten mit dem dazugehörenden, schnittlosen Video von Michel Gondry genossen werden sollte. Der mit knapp 8 Minuten eigentlich kaum als Auskopplung geeignete Song erzeugt unter anderem mit Tracey Thorn von Everything But The Girl am Mikrophon, einem Sample von James Brown und einem sich unendlich über den Zeitstrahl erstrecken scheinenden Beat ein Gefühl der Hypnose und vollkommener Entspannung. Ebenfalls hypnotisch, aber mit gänzlich anderen Mitteln, wirkt das mit Sprechgesang von Tricky und 3D vorgetragene und einem Basssample von Gainsbourg unterlegte „Karmacoma“. Der Titel wurde später von Tricky, allerdings mit ergänzenden Vocals von Martina Topley-Bird und unter dem Namen „Overcome“, auf seinem Debüt „Maxinquaye“ veröffentlicht, so wie sich auch der Protection-Song „Eurochild“ unter dem Namen „Hell Is Round the Corner“ auf Trickys Erstling wiederfindet.

In „Three“, sinnigerweise der dritte Titel des Albums, ist erstmals Nicolette zu hören, die in einem feenhafter und luftiger Titel über ihre lucky number singt. Es ist allerdings gerechtfertigt, dass auf „Collected“, der Best-Of von Massive Attack aus dem Jahre 2006, der zweite Nicolette-Titel, „Sly“, zu finden ist: Mit einem gelungenen Geigenarrangement von Armstrong nehmen uns die Briten auf eine wundersame Reise mit: „It’s hard to decide what is real these days / When things look so dizzy to me“. Seinen Namen verdiente sich der Track allerdings wohl nicht, weil er sonderlich durchtrieben wäre, sondern weil er ein Sample der US-Soul-Band Sly & The Family Stone verwendet. Auch hier wird man ein Jahr später auf Trickys Debüt eine Parallele entdecken können: den Song „Pumpkin“, benannt nach einem Smashing-Pumpkins-Sample.

Etwas dunkler, mit einigen dubbigen Halleffekten und der unverwechselbaren Stimme von Horace Andy präsentiert sich das unter anderem im Reggae verwurzelte „Spying Glass“, welches auch im Film „187“ mit Samuel L. Jackson verwendet wurde. In „Better Things“ klagt Thorn an: „You want freedom without love / And magic without love“. Auch hier wird ein Sample von James Brown verwendet, wobei das Original auf „Protected“ zu finden ist. „Eurochild“ wiederum präsentiert Tricky in einem der dunkelsten Titel des Albums, was nachträglich, obwohl noch ohne Gitarren, wie ein Ausblick auf „Mezzanine“ wirkt.

Bei all der Liebe zu den begabten Sängerinnen und Rapper ist der eigentliche Höhepunkt des Albums das instrumentale „Heat Miser“. Mit einem schweren Atmen à la Darth Vader und einer bedrohlichen Pianaomelodie im Stile von „Halloween“ startend, strebt das Zusammenspiel aus Klavier und Perkussion in ungeahnte Höhen. Beendet wird das Album mit einem eher belanglosen und unpassenden Doors-Cover.

Dem Namen entsprechend fällt „Protection“ deutlich weniger düster als die später erscheinenden „Mezzanine“ oder „100th Window“ aus. Dank vielen wunderbaren, mittlerweile zu Klassikern avancierten Songs gehört es aber zweifelsohne in jede gutsortierte Plattensammlung – zusammen mit dem Dub-Remix-Album „No Protection“ vom Mad Professor. Zudem kann das Album wegen den wiederverwendeten Songteilen bereits als kleine Vorschau auf die ein Jahr später eindrücklich startende Solokarriere von Tricky betrachtet werden. Und auch Craig Armstrongs Debüt, welches allerdings erst 1998 erschien, wird bereits angedeutet, ist darauf doch ein Rework von „Weather Storm“ zu finden.

(as)

„Take My Head“ gilt heute sowohl bei Fans und Kritikern, als auch bei Archive selber als das schwächste Album der nun doch schon fünfzehnjährigen Bandgeschichte. Lohnt es sich also überhaupt, sich mit dieser Scheibe zu beschäftigen – gerade in Zeiten wo eine riesige Musikbibliothek nur einen Mausklick entfernt ist? Ich glaube ja, denn gerade die Mängel, die dem Hörer fast bei jedem Song vor Ohren geführt werden, zeigen doch, dass ein durchaus brauchbares Grundgerüst vorhanden ist, welches man verschandelt sieht. Zudem übte das Album einen grossen Einfluss auf die weitere Entwicklung der Band aus, sowohl mit einigen hier erstmals in den Archive-Kosmos integrierten Songstrukturen, als auch mit dem offensichtlichen ökonomischen und künstlerischen Misserfolg, der zu Korrekturen Anlass gab.

In fast jeder Hinsicht stellt der Zweitling von Archive ein Zwischenalbum dar: Personell wurde nach Meinungsverschiedenheiten Abschied von der Sängerin Roya Arab und dem Rapper Rosko John genommen. Die übrig gebliebenen Soundteppichleger Danny Griffiths und Darius Keeler füllten die Lücke mit der Engländerin Suzanne Wooder – dies sollte aber eine Übergangslösung bleiben, denn schon beim Nachfolgealbum übernahm der die Band stark prägende Craig Walker das Mikrophon. Auch musikalisch unterscheidet sich „Take My Head“ vom restlichen Werk der Band. Vom dunklen, an Massive Attack erinnernden Trip Hop von „Londinium“ ist kaum noch etwas übrig geblieben und die Progressive-Rock-Elemente der kommenden Alben werden höchstens angetönt. Vor allem fällt aber auf, dass die für Archive typische dunkle Grundstimmung vollständig fehlt und stattdessen helle Töne und eher einfache Melodien vorherrschen, etwas was, wenn auch sehr eingeschränkt, erst wieder auf „Lights“ zutrifft.

Eröffnet wird die Platte mit „You Make Me Feel“, welches wohl dem Geschmack des Kollektivs immer noch entspricht – zumindest wurde der Song während der „Lights“-Tour regelmässig gespielt und er findet sich auch auf dem Live-Album „Live At The Zenith“ wieder. Sehr gut können anhand dieses Tracks die Stärken und Schwächen des Albums analysiert werden: Während der Kontrast zwischen den sehr zurückhaltenden Gesangspassagen und den von Gitarren und rücksichtslosen Drums getriebenen, sehr druckvollen Stellen und die Verwendung eines chinesischen Marsch-Samples ihre Wirkungen nicht verfehlen, fällt auf, dass der Aufbau eher plump und lieblos daher kommt und die Lyrics kaum flacher sein könnten (Your love is like no other/ I want no other lover/ Our love will be forever). Verglichen mit den späteren Archive-Meisterwerken wie „Again”, bei welchem jeder Ton zu sitzen scheint und dem Song sehr viel Zeit eingeräumt wird, um seine Intensität zu steigern, wirken die Tracks auf „Take My Head“ unfertig. Sehr oft finden sich zwar gute Ideen, die aber nie wirklich ausgearbeitet wurden. Diese Feststellung deckt sich mit den Beschwerden des Kollektivs, welches die Einmischung des Labels auf die Fertigstellung des Albums beklagte. Wohl auch deshalb dauern alle Tracks – ganz untypisch für Archive – nur zwischen drei und fünf Minuten – wie fürs Radio geschrieben. Dass das Label nach dem Misserfolg des Albums den Vertrag einstellte, erscheint im Nachhinein als Glücksfall.

Anspieltipps sind „The Way You Love Me“, das sich zu einem pulsierenden Rhythmus langsam in die Gehörgänge einschmeichelt, „Cloud In The Sky“ der noch am ehesten an den Trip Hop von „Londinium“ erinnert und mit einem düsteren Beat brilliert, und „Take My Head“, bei welchem mit Befehle wiedergebenden Samples und dem massiven Einsatz von kreischenden Gitarren und Elektronik gearbeitet wird. Auch hier ist wie beim ersten Track ein grosser Kontrast zwischen Leise und Laut erkennbar.

Gerade die Verbindung zwischen den aufs Radio schielenden, eher poppigen Songs und dem wirtschaftlichen Flop hat sich als Segen für die Band erwiesen. Als Lehre aus diesem Misserfolg wurden die darauf folgenden Alben allesamt selber produziert und dabei wenig Rücksicht auf die Vermarktung genommen – mit viertelstündigen Songs, der Abkehr von süssen Melodien, dem Ausdrücken negativer Gefühle („Hate“, „Get Out“) statt romantischer Liebesschwüre und dem erneuten Wechsel des Musikstils. Und siehe, der Erfolg kam zurück.

(as)

Archives Erstling Londinium machte schon mit seinem Cover-Artwork, einer Landschaft, in der drei OP-Scheinwerfer einen Satz Leuchtstoffröhren “ansehen”, einen leicht “Pink-Floydigen” Eindruck. Diese Assoziation findet man dann auch in der Musik wieder, hier aber erst noch sehr versteckt. Mehr in diese Richtung geht es erst mit dem übernächsten Album, “You All Look The Same To Me“.

Die Musik von Londinium (was übrigens der lateinische Name von London, der Heimat der Band, ist) steht hauptsächlich auf drei Standbeinen: Der Stimme von Roya Arab, den Raps von Rosko John und den Keyboard-Klängen von Darius Keeler und Danny Griffiths. Letztere sind heute noch die Chefs der Band und prägten den Sound auf allen Alben sehr stark, vor allem mit jenen simlen, schon beinahe quietschenden, von Ton zu Ton gezogenen Klängen (zu hören beispielsweise am Ende von “So Few Words“).

Der Gesang von Roya Arab ist das, was aus diesem Album etwas besonderes macht. Roya, die Schwester von Leila Arab, rutschte eher spontan in die Band und machte laut Aussagen der Band* bei ihrer Vorstellung einen sehr selbstsicheren, individuellen aber auch “gestonedten” Eindruck (“She was very confident, individual and very stoned“). Ihre Gesangsvorführung begann scheinbar mit jenem Fragment, aus welchem später “Darkroom” wurde. Und gerade jener Song ist wohl einer der typischsten für das Album. Zurückhaltende Drum-Samples, Streicher, sanfte Fender-Rhodes-Klänge, Roskos Rap-Einlagen und eben jene verzaubernde Stimme von Roya Arab.

Aber gerade die Rap-Einlagen sind wohl auch der Schwachpunkt des gesamten Albums: Irgendwie passen sie nicht hinein. Ein wenig zu sperrig, zu holprig dahingesprochen sind sie vielmal zu ungehobelt für ihre schönen Gefässe, wie zum Beispiel der Titeltrack “Londinium“. Vielleicht wurde Rosko auch deshalb für das nächste Album, “Take My Head“, nicht mehr aufgeboten (obschon er auf “Controlling Crowds” wieder zu hören ist). Aber auch mit Roya gab es Probleme. Und bei ihr muss man sagen, dass sie für das nächste Album leider nicht mehr aufgeboten wurde. Denn sie gibt dem Album in der Archive Diskographie eine Sonderstellung.

In Songs wie “Nothing Else” oder “Parvaneh (Butterfly)” kann Roya ihre Stimme voll entfalten. Sie singt mit der Dynamik einer Beth Gibbons oder Emiliana Torrini und behauptet sich gegen die sonst fast immer tonangebenden Tasteninstrumente. Am schönsten zum Einsatz kommt ihre Stimme im Track “Headspace“, welcher deswegen wohl auch der Höhepunkt des Albums ist.

Londinium ist schon nur deshalb interessant weil es offenlegt, wie viel des Sounds von Darius Keeler und Danny Griffiths ausgemacht wurde (der grundsätzliche Stil wurde auf allen folgenden Alben beibehalten), aber wie viel mit dem Weggang der beiden Stimmen auch verlorengegangen ist. Und obwohl die Einflüsse der späteren Alben, vor allem bei “You All Look The Same To Me” sich geändert haben, ist Londinium wohl immer noch die “Mottenkiste”, aus der sich Archive in Stilfragen auch heute noch hin und wieder bedienen. Bis auf Roskos Beitrag sollen sie das doch bitte auch weiterhin tun, denn das Album wirkt auch heute noch sehr modern.

Anspieltipps: Headspace, Nothing Else, Parvaneh (Butterfly)

(grid)

*Diese Infos waren in der Bandbiographie auf Archives alter Website zu finden. Diese ist über die Internet-Archivseite Archive.org (welche mit der Band Archive eigentlich nichts zu tun hat), immer noch einsehbar.

You All Look The Same To Me ist nach dem starken Erstling Londinium und nach dem durchzogenen Take My Head das dritte Studioalbum von Archive. Es ist zudem das erste Album mit dem Sänger Craig Walker (Ex-Power of Dreams).

Die manchmal nicht ganz zu durchschaubare Archive-Familie um Mastermind Darius Keeler und Danny Griffiths haben sich so ca. im Jahre 2000 wieder zusammengetan, um nach diversen Quelereien wieder ein gestandenes Archive-Album zu veröffentlichen. Nach dem stark Trip-Hop geprägten  Londinium und dem poppig dahinplätschernden Take My Head scheinen die Herren in dieser Zeit irgendwie ihre melancholisch, düstere Seite entdeckt zu haben. Leichte Kost war gestern.

Schon mit ihrem Opener “Again“, der über 16 Minuten dauert, verabschieden sie sich von der Welt der simplen Songsstruktur und der Radiotauglichkeit. Hier wurde Schmerz in Klang verpackt. Still und Leise beginnt der Song, baut sich synthetisch auf, bis am Schluss der Text (“I don’t know why // Without your Love // It’s tearing me apart”) gegen epische Wände aus Hammond-Orgeln, Gitarren und Drums angeschrien wird. Entfernte Reminiszenzen an Pink Floyd lassen sich hier nicht verleugnen, obwohl der Sound von Archive weit rauer daherkommt.

Der zweite Track “Numb” ist vom Aufbau her ähnlich gestaltet. Leise erhebt sich ein Stakkato-Repetitiver-Schlagzeugbeat aus der Stille, nur begleitet von Stimme und minimster Elektronik (hier Grüssen Radiohead aus der Ferne). Kurz vor der zweiten Minute des Stücks, wird man als Hörer dann aus der totalen Monotonie gerissen und es werden einem herzhaft Schrammel-Gitarren um die Ohren gehauen. Brit-Pop lässt grüssen.

Mit “Meon” begeben sich Archive in bekannte, spährische Trip-Hop-Gefilde. Ein ruhiger Song, der vom Groove, der Hammond-Orgel, den Streicher und dem Zusammenspiel von Craig Walkers und (vermutlich) Maria Q’s Stimme lebt. Ein weiterer fast sechsminütiger Song, der  sich harmonisch in das archivsche Klanguniversum einfügt, ohne aber gross herauszustechen.

In “Goodbye” wird zur Abwechslung der 4/4-Takt verlassen und herzerweichend im 3/4 Takt in einer Mischung aus Kinderliedromantik und Drumcomputerwalze der Abschied in Balladenform betrauert. Für mich ein wenig zu viel Verzweiflung des Guten. 5.43 Min. Schmerz beeinträchtigen einem auch als Hörer. In dem Sinn; Ziel erreicht.

Darauf folgen mit den Intermezzos  “Now and Then” und “Seamless” filigrane Soundgebilde.
Während  “Now and Then” noch aus Piano, Stimme und dezentem Hintergrundlärm besteht, reduziert sich “Seamless” sogar auf ein Gefüge aus Synthesizer und eine Art Echolot. Durchaus eine interessanter Kontrapunkt zu den Langdistanz-Stücken “Again” und dem folgenden Song.

“Finding It So Hard” schlägt in einem 15 minütigen Spannungsbogen wieder ganz andere Töne an. Über monotone Drum’n’Bass-Beats türmen sich nach einer Weile wieder Pink Floyd-ähnliche Soundgebilde auf, die immer mehr zu überschlagen drohen, bevor sie und die Stimme leise in Analogie und Hammond untergehen.

Klassischer Trip Hop wird im Song “Fool” geboten. Schwere Beats bilden zusammen mit Synthesizer-Batterien einen dichten, fetten Sound, der sich langsam treibend vorwärtsschiebt. Das ganze korrespondiert zudem äusserst gut mit Walkers Stimme. Gerade aufgrund der reduzierten Wuchtigkeit und der feinen Instrumentalisierung (“Supertramp-Mundharmonika inklusive) ist er für mich einer der besten Songs auf der CD.

Ganz entgegen dem Songtitel kommt “Hate” nicht als Brachialstück daher. Geradezu orchestral in Begleitung von Streichern, Piano und Trompete werden Unfreundlichkeiten losgelassen, die in dieser Verpackung eher depressiv und verzweifelt denn Böse klingen.

Zum Ausklang liefern Archive noch ein Singer-Songwriter-Stück. “Need” entlässt uns ganz sanft aus dem Album und schliesst ein durchaus gelungenes, wenn für mich aber nicht ganz überzeugendes Album ab. Es wirkt über das ganze ein wenig zu zerfahren. Mit dem Spagat zwischen Trip Hop, Indie und Post-Rock haben sich Archive definitiv auch keine leichte Aufgabe gestellt. Sie haben aber auch bewiesen, dass dieser Spagat möglich ist. Wo ihr Vorgängeralbum noch in den Pop abzudriften drohte, haben sich Archive mit dem Griff zu härteren Gitarren und massigeren Synth-Sounds wieder auf den Weg in eine musikalische Eigenständigkeit gemacht.

Wenn man sich die CD zulegen will würde ich übrigens die “Tour-Edition” kaufen. Darauf werden auf einer zweiten CD Extra-Tracks mitgeliefert, von denen es meines Erachtens einige  auf das Hauptalbum hätten schaffen sollen. Man höre dazu den Track “Sham“.

(twintip)

Wer Archive kennt, weiss, das die Band auf dramatische Herz-Schmerz-Musik steht und diese Vorliebe meist brilliant, manchmal aber auch etwas stark übertrieben rüberbringen kann. Beim ersten Album wurde die schöne Musik noch oft durch unpassende Raps gestört, das zweite geriet wunderbar schnulzig, und jetzt, nach weiteren zwei Jahren Wartezeit ist mit “You All Look The Same To Me” ein Meisterwerk erschienen, bei dem man sagen kann, dass die Band zu ihrem endgültigen ausgereiften Stil gefunden hat. Stolze 72 Minuten dauert die CD, und das trotz der relativ kurzen Playlist von 11 Titeln. Begonnen wird die Odyssee der Gefühle mit einer Mammut-Ballade von 16:30 Minuten Länge (“Again“), bei der sich einem vor Lust die Nackenhaare sträuben. Auffallend ist die sehr professionelle Stimme des Sängers, die stark an Radiohead-Frontmann Thom Yorke erinnert und perfekt in der Musik aufgeht; dazu wunderschöne Streicher, Mundharmonika-Einlagen, schleppende Beats und eine gute Prise Elektronik (die Songs bei ihren Höhepunkten unerträglich laut zu machen, haben sich Archive übrigens inzwischen auch abgewöhnt).

Als nächstes folgt “Numb“, ein düsterer Song, der wie eine härtere Version von Massive Attacks “Heat Miser” anmutet; weiter mit “Meon”, welches einen (auch dank der Sängerin) an das letzte Album “Take My Head” erinnert.

Dann kommt mein absoluter Favorit des Albums, “Goodbye“. Ruhiger Gesang und sanfte Töne wie von einem Einschlaflied für Kinder gleiten sanft durch den Raum und werden nach knapp einer Minute durch ultrageniale Beats ergänzt, die einen vor Begeisterung aus dem Sessel hüpfen lassen. Unbeschreiblich einfach, und wer diesen Song bei passender Atmosphäre hört, wird kaum die Tränen unterdrücken können.

So und ähnlich gestaltet sich das gesamte Album, es gibt keinen einzigen Durchhänger, einzige Voraussetzung für den ungetrübten Musikgenuss ist ein Abend nur für diese CD, denn die Songs brauchen Aufmerksamkeit und wollen als ein grosses Ganzes gehört werden und nicht nach und nach – erst dann entfaltet “You All Look The Same To Me” seine ganze unglaubliche Wirkung.

Außerdem geben einem solche Alben die beruhigende Gewisheit, daß da immer noch Bands sind, die ihr Ding durchziehen und sich von keinen Trends beeinflussen lassen. Zugreifen ohne zu zögern. Es lohnt sich!

P.S.: Den auf der CD enthaltenen Zugang zum geschützten Bereich der Archive-Webseite kann man sich sparen: lediglich ein paar unveröffentlichte Tracks als Stream und ohne Downloadmöglichkeit sind dort verfügbar.

Daniel Sucké

Still und leise haben Sie sich zurückgemeldet. Nachdem sie unter dem Pseudonym Little Sheep am 22. Mai 2009 im Concorde2 in Brighton wieder zurück ins Rampenlicht traten, werden Sie uns am 29. August 2009 unter ihrem richtigen Namen an den Winterthurer Musikfestwochen beehren. Mit im Gepäck sollen alt bekannte Lamb-Songs wie “Gorecki“, “Lusty“, “Trans Fatty Acid” und “Gabriel” sein. Die ersten drei stammen von ihrem Erstlingswerk Lamb, das mit zu den prägendsten Alben der frühen “Trip Hop”-Jahren gezählt wird.

Von ihrem zweiten Album Fear of Fours hat leider kein Song je den Bekanntheitsgrad der oben genannten erreicht (Werbung sei Dank, oder eben nicht). Zum Glück ist dies jedoch nur ein Barometer für finanziellen Erfolg und nicht für die Qualität eines Werkes. Denn Lamb schaffen es auf ihrem zweiten Album ihren Weg konsequent weiterzugehen.

Musikalisch pendelt das Ganze gewohnt-gekonnt zwischen Trip Hop, Drum’n'Bass, Klassik (in diesem Album nicht mehr so präsent wie im Vorgänger) und Jazz (der Kontrabass erfreut sich nach wie vor grosser Beliebtheit) hin und her, ohne sich in einer Stilrichtung zu verbeissen. Im Vergleich zum Vorgänger-Album kommt jedoch das Ganze etwas runder daher (nein, ich möchte hier nicht den Ausdruck “poppiger” bemühen). Man mag den Verlust von Ecken und Kanten beklagen, aber zum Glück haben Lamb noch genügend Vorsprung zum Mainstream, dass sie nicht im Einheitsbrei unterzugehen drohen (der Albumtitel wurde übrigens aus Abneigung vor dem 4/4 Takt ausgewählt). Es wurden einfach zugunsten von Groove-Aspekten einige dekonstruktive Ansätze (man höre dazu “Cotton Wool” vom Album Lamb) gestrichen. Das Duo bringt aber auch auf ihrem Zweitwerk nach wie vor genügend Intensität, Emotionen, soundtüftlerisches Können und textliches Differenzierungsvermögen mit, um daraus ein dichtes, sehr gutes Album entstehen zu lassen.
Durch dichte, treibende Groove- und Soundgebilde schneidet sich der Gesang in gewohnt scharfer, rhodes’scher Manier den Weg frei. Auch wenn das Ganze sehr gegensätzlich anmuten mag; bei Lamb ist und bleibt es Programm.

Lou Rhodes, die Sängerin mit den Folk-Eltern, die aus der Songwriter-Ecke kommt, gegen den elektronischen Soundspezialisten Andy Barlow, der sich geschworen hat, niemals Songs zu schreiben. Mag man in der recht gegensätzlichen Vergangenheit der beiden Lamb-Mitglieder den Schlüssel zu Eigenständigkeit und Erfolg vermuten; den Songwriting-Prozess sehen Sie jedoch als äusserst sozialen, gemeinschaftlichen Akt. Dieses Duo schaukelt sich nicht an ihren Differenzen in innovative Höhen, sondern setzt auf Zusammenarbeit, die sich ein weiteres mal auszahlt.

Das Songwriting wurde von Lou Rhodes in einem Interview folgendermassen beschrieben:
“Wir vergleichen den Songwriting-Prozess nicht mit einem zähen Ringen, sondern mit einer Wanderung durch die Dunkelheit, bei dem wir  abwechselnd die Fackel der Inspiration tragen, die eine Idee zum Song werden lässt. Wir glauben an die Kraft der Intuition, deshalb ist das Musikmachen für uns kein intellektueller, sondern ein gefühlsbetonter, fast schon kathartischer Prozess. Unsere Aufgabe ist es, eine Atmosphäre herzustellen, in der Fehler möglich werden, denn so sehr wie von Ideen lebt unsere Musik vom falschen Gebrauch der Technologie.”

Im “kathartischen”  Sinne mag das Zweitwerk von Lamb nicht mehr ganz an das stärkstens expressive Lamb-Album anschliessen. Man kann es aber auch einfach als Reifeprozess betrachten, der das Duo etwas zur Ruhe hat kommen lassen. Da aber zum Glück in der Musik den Gefühlen (in welchem Stadium auch immer) noch freien Lauf gelassen werden kann, werden wir auch in Zukunft gerne noch viele solcher “Fehler”- belastete Alben in Kauf nehmen.

(twintip)

Es war spätestens „What Sound“, welches die gelegentlich geäusserten Vorwürfe, dass Lamb eine eher seichte Band sei, aufkommen liess. Und seien wir ehrlich: „Gabriel“ mit den Attributen „kitschig“ oder „süsslich“ in Verbindung zu bringen, ist nicht sonderlich abwegig. Auch wenn ich gerne annehme, dass die Lyrics von Lou Rhodes von Herzen kommen, sind Zeilen wie „I can fly / But I want his wings / I can shine even in the darkness  / But I crave the light that he brings“ von den Texten einer Katie Melua nicht allzu weit entfernt. Wenig erstaunlich fand der Song dann auch im Werbefernsehen, in einem Spot für den Opel Meriva, eine zweite Heimat.

Allerdings wäre es höchst unfair „What Sound“ auf den Chart-Stürmer „Gabriel“ zu reduzieren, finden sich doch auch musikalisch gehaltvollere Titel auf der Scheibe (Anmerkung des Autors: Obwohl auch schon 2001 viel Musik heruntergeladen wurde, waren damals die CD-Verkaufszahlen noch deutlich höher, so dass das Wort „Scheibe“ statt „Album“ gerechtfertigt scheint). Die grosse Spanne von durchaus kommerziellen Titeln zu experimentellen und verspielten Nummern kann zumindest teilweise mit dem Co-Produzenten Guy Sigsworth erklärt werden: Der Engländer war auch für so unterschiedliche Künstler wie Seal, Björk, Goldie und Britney Spears tätig.

Ein erster Höhepunkt von „What Sound“ ist „One“, welches unter anderem von der E-Gitarre Arto Lindseys getragen wird. Hier treffen ein konsequent treibender Beat und ein dunkler, elektronisch dominierter Hintergrund von Art Massive Attacks auf Rhodes melodiöse Gesangsspur, was zu reizvollen Kontrasten führt. Die orientalische Melodie lässt Erinnerungen an das vier Jahre ältere „The Fat Of The Land“ von The Prodigy und insbesondere den Track „Smack My Bitch Up“ aufkommen – sowieso ist der Einfluss von Drum’n'Bass und Big Beat auf „What Sound“ sehr gut spürbar.

Mein persönlicher Höhepunkt ist das auffallend zurückhaltend instrumentierte „I Cry“, in welchem Rhodes gesanglich von Michael Franti unterstützt wird. Noch mehr als das Werk Portisheads, an welches hier Lamb sichtlich anschliesst, repräsentiert „I Cry“ für mich das kurzlebige Nicht-Genre Trip Hop mit all seiner Melancholie, mit seinem Kontrast aus zugänglicher Melodie, durchaus zeitgemässen elektronischen Effekten und geschickt gewählter Samples.

Ebenfalls auf dem Drittling zu finden sind das rein instrumentale „Scratch Bass“, bei welchem der Titel eigentlich bereits eine gute Beschreibung liefert, und „Sweet“, worauf dies ebenfalls zutrifft. Von Drum’n'Bass angehauchte und dem E-Bass der Amerikanerin Me’Shell NdegéOcello mit Leben erweckt, wird bei der nach „Gabriel“ zweiten Singleauskopplung des Albums eine nie klebrige Süssigkeit ausgebreitet. Etwas was beim später folgenden „Heaven“ meiner Meinung nach nur bedingt gelingt – hier besteht die Gefahr kleben zu bleiben.

Obwohl auch „What Sound“ dem Debüt-Album nicht das Wasser reichen konnte, machte es sich doch bezahlt im Vergleich zum Vorgänger „Fear Of Fours“ einen reduzierteren, eher langsameren Ansatz zu verfolgen. Nach der kurzfristigen Trennung des Duos im Anschluss an den Zweitling war die Platte jedenfalls eine gelungene Wiedergeburt des Phönix Lamb. Bleibt nur zu hoffen, dass dies ein gutes Omen für die Wiedervereinigung des Jahres 2009 ist.

(as)

1996 war das Jahr der Bandgründung und Veröffentlichung des Debüt-Albums von Lamb. Zu diesem Zeitpunkt war die ganze Bristol-Szene um Massive Attack und Portishead zwar schon recht etabliert. Ein Blick auf die Charts aus dieser Zeit zeigt jedoch, dass damals einerseits keine bestimmte Stilrichtung vorherrschend war (ausser den im Zerfall begriffenen Boygroups vielleicht), und andererseits (oder deshalb) relativ viel Platz für neue Stilrichtungen, Strömungen und Bands zur Verfügung stand. Und was Lamb mit ihrem selbstbenannten Debüt-Album brachten war vielleicht nicht neu, aber aufregend, kompromisslos und zusammen mit ihrem zweiten Album Fear of Fours wohl ihr bestes Album insgesamt.

Und gleich zum Beginn des Albums wird die Kompromisslosikeit augenscheinlich. Tracks wie “Lusty” oder “Cotton Wool” zerhacken die Musik derart in ungeraden Beatabschnitte, dass nur Louise Rhodes‘ Gesang die Brücke über die verschiedenen Takte schlagen kann. Und gerade bei “Lusty” sind nicht nur die einzelnen, beinahe willkürlich angeordneten Drum’n'Bass-ähnlichen Beats sehr einen, der ganze Song ist in 7/8 getaktet. Das, zusammen mit den eher breiten Streicher-Samples macht “Lusty” zugleich entspannt und gehetzt. Und bei “Cotton Wool” hat die Drum-Section scheinbar die Aufgabe, jegliche Ordnung aus dem Song zu entfernen (entgegen den meisten anderen Songs, bei welchen Drums etc. die Ordnung erst herstellen). Zusätzlich exzentrisch wird der Song mit den speziellen Akkorden, welche im mehrstimmigen Gesang verwendet werden und dem Kontrabass. Diese Competition zwischen harten Beats und Gesang bringt dann auch der drittletzte Track “Closer” wieder .

In die beiden Songs “Lusty” und “Cotton Wool” eingebettet wirkt der Rhythmus von “God Bless“, trotz Breakbeat, wieder sehr gerade und normal. Man kann beim Hören von diesem Song, mit seiner Verwendung von Streichern und Kontrabass zusammen mit der Elektronik, dann auch vermuten, was später Live und in den Soloprojekten von Lou Rhodes wiederkehrte. Nicht zuletzt durch den Einsatz vom “organischen” Kontrabass und Akustikgitarre erhielten die Livekonzerte diesen Druck und die Stimmung. Ein ähnliches Setup ist später auf dem Album mit “Gold” zu hören.

“Trans Fatty Acid” verwendet in dieser Albumversion ausser der Stimme keine anderen melodiebildenden Instrumente. Nur begleitet von Drumloops und einigen Synthie-Klängen muss Lou die Melodie durchbringen. Erst mit dem Remix von Kruder & Dorfmeister, welcher das Original wohl übertrifft, kommt die melodiöse Unterstützung für die Stimme, in Form von einer schönen Jazz-Orgel. Dieser Remix war unter anderem auf der Single von “Górecki“, auf dem Best-Of-Sampler Sweet und auf dem Sessions Doppelalbum von K&D zu hören.

Doch Lamb konnten auch schon auf ihrem Debüt-Album ruhig, zurückhaltend und intim werden. Für “Zero” genügen neben der Stimme zwei Streicher, genauer gesagt zwei Cellos. Gearbeitet wird lediglich mit dem Unterschied von gezupften oder gestrichenen Klängen in den Strophen und dem relativ lauten und intensiven Ausbruch des Cello-Duos im Refrain.

Der Höhepunkt des Albums ist dann “Górecki“, mit welchem Lamb auch die insgesamt höchste Chartplatzierung schafften. Dieses, nach dem Polnischen Komponisten Henryk Górecki benannten und von dessen “Symphony of Sorrowful Songs” inspirierte Stück ist wohl auch an Konzerten das meist gewünschte und gefeiertste, bei welchem es sich Andy Barlow meist nicht nehmen lässt, die Djembé-Trommel in die Hände zu nehmen und wild den Beat zu hämmern.

Mit “Feela” gelingt dann der ruhige Abschluss des Albums, nur mit Piano, Cello und den Textzeilen “Tell me something more / Tell me something more worth living for“. Wer sich mit diesen Klängen und Zeilen in den Schlaf wiegen lässt, könnte jedoch mit einigen Versionen des Albums noch eine Überraschung erleben, denn bei diesen erscheint nach einigen Leer-Minuten noch der wiederum sehr bewegte Fila Brazilia Remix von “Cotton Wool“.

Allein schon die Anzahl der Remixes lässt darauf schliessen, wie viel Einfluss dieses Debüt-Album auch bei anderen Musikern hatte. So gibt es neben dem vorher genannten Fila Brazilia Remix von “Cotton Wool” auch noch einen A Guy Called Gerald Mix, des weiteren “God Bless (Wagonchrist Mix)“, “Gold” im Mr Scruff Mix und Autechre Mix oder “Gorecki (Global Communication Mix)“, um einige zu nennen. Wahrlich ein Klassiker.

(grid)

Das Debut-Album des Ghetto-Kids Tricky aus Bristol gilt als eine der Grundsteine des Trip-Hop. Der im Elendquartier Knowle West (später Titellieferant für eines seiner Alben) aufgewachsene Adrian Thaws liess seine deprimierende, kaputte Umgebung Musik werden und schuf damit, zusammen mit Bands wie Portishead und Massive Attack, die Basis für den weltweiten Erfolg des Genres.

„Dem Bulldozer, der den Schrott zusammendrückte, hätte ich ewig zuhören können, für mich war das Musik“.

So umschreibt Tricky die Inspirationsquellen für sein späteres Wirken. In einer Zeit, in der die Hitparaden von hochpolierten Bands/Sängern/Projekten wie Take That, Celine Dion, Coolio und Oasis angeführt wurden, wirkte er wie ein suizidgefährdeter Paranoiker, der einem mit einem Grinsen den Stinkefinger vors Gesicht hält.

Er zerriss, zerstückelte, verstümmelte, minimierte und provozierte; um am Ende alles genial mit Tränen, Blut, Schweiss und Sperma wieder zusammenzukleben. Gekonnt wurden Beats verschleppt, Sounds bis zum Flirren entstellt und mit endlos wiederholten Loops zu einem Ganzen verwoben. Rauschen wurde nicht technisch wegradiert (“Hell is Round the Corner“, weitere), das Klicken eines Abzuges wurde zum bedrohlichen Stilelement (“Strugglin’“), ekstatisches Stöhnen wurde mit Streichern gepaart (“Suffocated Love“). Bei der Auswahl seiner Samples und deren Umsetzung bewies Tricky sowieso ein sehr feines Händchen. So wird der Hip Hop Track “Black Steel” von Public Enemy zum schrammenden Gitarren-Kracher hochstilisiert. Isaac Hayes “Ike’s Rap” wird zum knisternden Klagegesang (falls einem das Sample bekannt vorkommt – man höre Portisheads “Glory Box“; hier wurde freundschaftlich geteilt). Vor allem die Nähe zu den Bands wie Portishead und Massive Attack (an deren Alben Blue Lines und  Protection er mitwirkte) ist immer wieder hörbar. Die Textzeile “Karmacoma” wurde nicht nur im Song “Overcome” als Refrain verwendet sondern wurde später auch zum Songtitel bei Massive Attack. Auf dem Song “Pumpkin” begleitet Ihn zudem Alison Goldfrapp zu eher leisen Tönen von den Smashing Pumpkins.

Selten wurde “Wahnsinn” so ästhetisch verpackt, wie in dem, nach seiner durch Suizid aus dem Leben geschieden Mutter Maxine Quaye benannten Album. Zusammen mit seiner damaligen Freundin Martina Topley Bird, schuf Tricky ein Werk, das irgendwo zwischen Hip Hop, Wut, Dub, Depression, Punk und der totalen Verweigerung lag. Über den fliessenden Beat- und Soundcollagen, erzählt er, mit gequältem, rauhem Sprechgesang von Tod, Verderben, Drogen, Verlust, Gewalt und Sex, ohne sich gross um Political Correctness zu kümmern. Alles umrahmt von Topley Birds souliger, mal feinen, mal druckvollen Stimme.

Nach dem Tod seiner Mutter und dem Verschwinden seines Vaters wuchs Adrian Thaws bei seiner Grossmutter auf. Laut Überlieferung hörte er sich mit ihr tagsüber Nina Simone-Platten an und brachte die Nacht mit Horrorfilmen über die Runden. Vor allem der Einfluss durch Jazz und Hip Hop dürfte dazu geführt haben, dass das Album, inklusive aller nächtlichen “Horror-Düsternis”, viel Soul und einen unglaublichen Groove besitzt.

Obwohl er als einer der Protagonisten des Trip-Hop gilt, hatte er sich von Anfang an gegen die Etikettierung seiner Musik gewehrt.

„Alles Blödsinn! Trip-Hop ist nichts anderes als eine billige Variante des amerikanischen Hip Hop. Merkt euch: Meine Musik heisst TrickHop. Liebe zerstört die Menschen. Sie ist nur von kurzer Dauer, und wenn Sie verschwunden ist, bleiben zwei kaputte Figuren übrig. Das ist die Realität und darüber schreibe ich.“

Diese Aussage zeigt nicht nur seine damalige Zerrissenheit, sonder auch seine (bis heute anhaltende) establishmentfeindliche Haltung und sein überhöhtes Ego (Stand nicht bekannt, aber sein Folgealbum hiess “Nearly God“). Es muss ihm folglich wie der totale Hohn vorgekommen sei, als das Album in der Veröffentlichungswoche auf Platz 3 der UK-Charts schoss.

Mit dem Album “Maxinequaye” schuf Tricky ein wegweisendes Album, das das Genre Trip-Hop mit zu definieren half. Vor allem aber schaffte er es, aus Samples, Sounds und Lyrics ein dichtes, groovendes und sehr persönliches Werk entstehen zu lassen, das in keiner Plattensammlung von geneigten Trip-Hop-Hörern fehlen sollte.

(twintip)

Wer kennt es nicht, das Debut-Album “who can you trust?“, mit welchem Morcheeba gleich ein Kultalbum für die Trip-Hop-Szene hingelegt hat. Ihr zweites Werk “big calm” war immer noch top, auch wenn es nicht ganz ans Erstlingswerk rankam. Das änderte jedoch dank anhaltender Morcheeba-Euphorie nichts daran, dass auch dieses Werk den berechtigten Erfolg erlangte.
Im Jahre 2000 kam dann die dritte Platte namens “fragemnts of freedom“. Skyes Stimme war natürlich auch auf diesem Album genau gleich schön und verzaubernd, jedoch mangelte es an der Tiefgründigkeit und der Melancholie der ersten zwei Alben, oder besser gesagt, sie waren schlicht nicht vorhanden. Ein normales Pop-Alum ist entstanden. Morcheeba distanzierten sich auch in den Interviews vom Trip-Hop. Mit “fragments of freedom” gewannen sie sicherlich neue Fans, jedoch enttäuschten sie auch eine Menge Alteingesessener.

Diese Fans setzten darum auch nicht allzu grosse Erwartungen in das neuste Album “charango“. Vor allem kündigten die Londoner an, ihr Werk sei stark von Weltmusik beeinflusst, was den Anschein macht, also wolle Morcheeba auch noch auf den “Trend-Zug Worldmusic” aufspringen, um auch noch da ein paar Hörer mehr zu gewinnen.
Spielt man aber die ersten paar Sekunden ab, dringen ruhige melancholische Töne in die Ohren. Sind Morcheeba zurück?

Jedenfalls findet man auf “charango” nicht einen billigen Mix aus verschieden Musikrichtungen aller Welt, wie er von manchen Künstlern bei Inspirationsleere produziert wird, sondern die Einflüsse sind geschickt und gekonnt verpackt, sodass ein sattes Gesamtwerk entsteht, bei dem man durchaus erkennt, dass sich  Morcheeba nicht nur bei dem Albumnamen (Charango = südamerikanisches Saiteninstrument) an Weltmusik orientiert.

Nun könnte man denken, dass die Beats trotz verschieden Einflüssen und der warmen sexy Stimme von Skye einfach so duchs Album dahingleiten. Dem ist aber nicht so, denn “charango” ist überraschend abwechslungsreich, nicht zuletzt dank denn verschiedenen Gästen, die Morcheeba auf ihr Album eingeladen haben.

Für einen der Höhepunkte sorgt bestimmt Lambchop-Chef und Sänger Kurt Wagner, der in “what new york couples fight about” mit Skye im Duett singt. Ein anderer ist auch die Kombination von Sky’s Stimme mit Rap, was auf den ersten Blick ganz und gar nicht zusammenzupassen scheint. Wer auf dieser Meinung beharrt, sollte mal einen Track mit Pace Won (Outsidaz) anhören, und er wird feststellen, dass dies eine intressante Kombination ist und eine weitere gelungene Abwechslung bietet.
Alles in allem ist Charango ein gutes, gelungenes Album mit viel Abwechlung, das aber trotzdem den typischen Morcheeba-Sound nie verlässt.

Gegenüber dem letzten Release ist sicher ein Fortschritt gelungen und die Musik erinnert wieder mehr an alte Zeiten.
Hardcore-TripHopper, die sich aber immer noch nicht damit abfinden können, dass Morcheeba ein wenig poppiger geworden ist, und ein Meisterwerk alla “who can you trust?” erwarten, sollten lieber die Finger von Charango lassen.

jf